Sands of Aura es un título que aúnan géneros muy dispares  de una manera natural y orgánica para disfrute del jugador.

Sands of Aura es un título que aglutina elementos de juegos como Diablo (Twin Stick shooters y perspectiva isométrica), Dark Sousl (hogueras, almas, parrys y esquivas) y Metroidvania (exploración y plataformas) de una forma genial para disfrute del jugador. El título aterrizó hace mucho en Steam para PC, allá por 2023, pero estando en acceos anticipado desde 2021. Cuenta con críticas mayoritariamente buenas, con un 77% de reseñas positivas entre más de 570 valoraciones. Ahora aterriza en consolas para disfrute de los que no teníamos en el radar este pequeño pozo de horas.

Historia.

Sands of Aura, la historia se construye alrededor de un mundo que se desmorona lentamente bajo un océano de arena que ha devorado reinos enteros y ha reducido a la humanidad a pequeños refugios dispersos.

Este escenario no se presenta como un apocalipsis repentino, sino como una decadencia prolongada. Este se ha moldeado la vida, la cultura y la desesperanza de quienes aún sobreviven. El juego te sitúa en la piel de un joven caballero que, más que un héroe predestinado, es alguien obligado a madurar en un entorno donde cada viaje implica riesgo y cada descubrimiento revela cuánto se ha perdido.

La narrativa gira en torno a la exploración de este mundo moribundo. A la búsqueda de respuestas sobre cómo llegó a este estado y a la responsabilidad que recae sobre quienes aún tienen la capacidad —o la voluntad— de actuar. Más que centrarse en un conflicto concreto, la historia explora temas como la resistencia frente a la entropía, el peso de las civilizaciones olvidadas y la fragilidad de los últimos bastiones de esperanza. Es un relato que combina melancolía, misterio y una sensación constante de estar navegando entre los restos de un pasado que intenta no desaparecer del todo.

Unreal Engie 4.

A nivel técnico, Sands of Aura se construye sobre Unreal Engine 4. Esto permite ofrecer iluminación volumétrica, efectos de arena muy logrados y un rendimiento sólido en consolas.  Aunque con algunos tiempos de carga muy largos, sobre todo cuando toca cargar zonas amplias. En general ese aspecto es muy mejorable.

Su diseño artístico es uno de sus mayores atractivos. Sands of Aura combina una estética de fantasía oscura con un estilo isométrico que recuerda a Diablo en la composición de escenarios. Sin embargo, este tiene una paleta más apagada y melancólica, cercana a Ashen o Hyper Light Drifter en su uso de colores fríos y contrastes suaves.

Las ciudades hundidas, templos y ruinas transmiten una sensación constante de mundo moribundo, similar a la decadencia ambiental de Dark Souls, pero reinterpretada desde una perspectiva más luminosa y desértica. El modelado de personajes y enemigos no busca hiperrealismo, sino siluetas claras y legibles, lo que favorece el combate. En cuanto al audio, el juego destaca especialmente: la banda sonora es atmosférica, emotiva y muy bien integrada en la exploración, con temas que refuerzan la soledad del viaje y otros más intensos para los combates. Los efectos de sonido —desde el crujido de las maderas hasta el impacto de las armas— están cuidados y aportan una inmersión notable, demostrando un trabajo sonoro por encima de la media dentro del panorama indie.

Delicia jugable.

La jugabilidad de Sands of Aura se construye entorno a una identidad muy particular. El juego combina un alma claramente soulslike con una perspectiva isométrica que transforma por completo la forma de afrontar cada encuentro. El combate exige precisión, lectura de animaciones y gestión de estamina, pero al no disponer de una cámara en primera o tercera persona, la anticipación de los ataques se basa en observar patrones y movimientos más que en controlar el ángulo de visión, lo que genera una tensión distinta a la de un souls tradicional.

La perspectiva isométrica aporta claridad y amplitud visual, permitiendo entender el entorno de un vistazo. Tambien introduce desafíos, como ataques que pueden quedar parcialmente ocultos y obligan a moverse con más intención. Esta perspectiva hace que el posicionamiento sea crucial, convirtiendo cada enfrentamiento en un pequeño rompecabezas táctico donde importa tanto la distancia como la orientación.

A esto se suman elementos metroidvania que enriquecen la exploración. Tendremos zonas inicialmente inaccesibles que se abren al obtener nuevas habilidades o llaves, rutas alternativas que recompensan el regreso a áreas ya visitadas. Esta estructura invita a investigar cada rincón del mundo. No es un metroidvania puro, pero sí incorpora lo suficiente para que la sensación de descubrimiento sea constante. En conjunto, la jugabilidad se siente como una reinterpretación fresca del soulslike, más ágil y exploratoria, donde la isometría y el diseño del mundo trabajan juntos para ofrecer una experiencia exigente, atmosférica y con una identidad propia dentro del género.

Sonido y Música

La banda sonora de Sands of Aura es uno de los elementos más cuidados del juego. Funciona como un pilar emocional que sostiene su atmósfera melancólica y espiritual. La música se construye a partir de una base sinfónica muy rica, donde conviven instrumentos tradicionales que aporta un color antiguo y una sonoridad casi ritual. El resultado es una banda sonora que oscila entre lo contemplativo y lo épico, acompañando al jugador en cada transición del viaje.

La edición completa reúne alrededor de cincuenta pistas, lo que permite un recorrido musical amplio y variado. Tenemosd desde temas de exploración hasta composiciones intensas para jefes y momentos narrativos clave. En cuanto al diseño de sonido, el juego apuesta por una ambientación muy sensorial que transmite la dureza de un mundo sepultado bajo mares de arena. El viento es un elemento omnipresente, modulándose según la zona para crear una sensación de vastedad y soledad.

Los efectos de movimiento y desplazamiento, especialmente los de la embarcación que navega sobre la arena, están diseñados para que el jugador sienta la fricción, la vibración y el peso del entorno. El combate, por su parte, adopta un enfoque cercano a los souls-like, con golpes contundentes, choques metálicos y criaturas que emiten rugidos distorsionados y ásperos. Todo ello genera una experiencia sonora que no solo acompaña la acción, sino que refuerza la narrativa de un mundo moribundo, espiritual y lleno de ecos del pasado.

CONCLUSIÓN

Sands of Aura es un gran título, con muchos puntos fuertes y pocos débiles. Un juego producto del cariño y la atención al detalle que no deja hueco en blanco ni apartados débiles. Su ambientación, banda sonora, el diseño de niveles y su combate son de notable alto.

El título tiene sus puntos débiles. Por ejemplo la perspectiva es algo difícil de gestionar con una cámara algo oscilante. Excesivos tiempos de carga o una duración quizás algo larga (unas 40 horas). Además, la historia de partida no es nada innovadora y las mecánicas que implemente son archiconocidas por los jugadores.

Sin embargo, todo lo que propone es bueno, desde la exploración hasta misiones secundarias que te van aportando pequeñas trazas de historias paralelas a la principal que nutren al título de una profundidad narrativa muy buena. En conjunto Sands of Aura es un título que debe estar en cualquier biblioteca de los amantes de los soulslike.

Ha llegado a Xbox un arcade puro de esquivar obstáculos en moto. Tanto que deja de lado la historia para jugar y jugar.

Todos conocemos las Game and Watch de Nintendo, algunos las tocaron en su tiempo y unos pocos afortunados tendrán una de esas máquinas todavía funcionales. En aquella época, qué viejos somos, había muchas de estas maquinitas más genéricas (como la alargada esa del Tetris), y entre ellas figuraba unos cuantos modelos del genero de coches con la única mecánica de mover nuestro vehículo a izquierda o derecha para evitar la colisión con el reto de coches de la carretera.

Atento a lo que se viene.

Moto Rush Reborn recoge el testigo de aquella mecánica aportando un poquito más. Manejamos la moto por las calles de una Tokio futurista a una velocidad endiablada y creciente. Estamos huyendo, o simplemente corriendo por gusto. Eso no se sabe. Nada de historia en este juego arcade. No hay narrativa, sólo correr y esquivar para poder recoger unos sellos demoníacos que nos pueden ayudar de manera externa a saber qué nos ha llevado aquí. Con estos sellos desbloqueamos viñetas de un manga que se supone da forma a la historia del juego, pero porque el tebeo va sobre una motorista. Nada dentro del arcade guarda relación con esta historia.

Correr y correr yendo de izquierda a derecha superando el tráfico y obstáculos en callejones. Desde la primera fase, el tutorial, ya te enseñan todos los movimientos que tiene la moto. Con ella podemos acelerar haciendo un caballito, agacharnos para pasar por caminos bajos o incluso derrapar tumbando la moto para superar huecos aún más pequeños. Todos estos limitan la capacidad de maniobra de la moto. Por supuesto también se puede frenar a unos cómodos 150km por hora cuando la cosa se va de madre, que se va a ir. En Moto Rush Reborn la aceleración es automática y siempre in crescendo. Frenar es tan imprescindible que el juego te lo recuerda constantemente. La vista en primera persona magnifica la sensación de velocidad y contribuye a la dificultad a la hora de leer las siguientes maniobras a realizar.

Por aquí ya hemos pasado.

Todas las fases tienen el mismo esquema. Una parte de conducción en autopista con varios carriles en un mismo sentido (ya sea el de la moto o al contrario) con eventuales salidas a callejones o vías de servicio para las maniobras más complicadas, esas donde el freno cobra importancia. Todas las pantallas (con sus variantes de túnel, puente, o calle dentro de la ciudad) tienen ese esquema y no hay mucho hueco para la imaginación. No hace nada más que aumentar la dificultad siempre con los mismos elementos.

Moto Rush es un juego complicado que se va incrementando de la misma forma que la velocidad. No tiene concesiones con los choques, terminando de la misma manera una colisión frontal que un golpe lateral: volviendo al punto de control anterior. Aquí el diseño del juego me parece que falla para alargar su vida a través de una dificultad injusta. te obliga a ser excesivamente preciso en secciones muy estrechas. Imaginemos que cada golpe lateral en el Burnout supone un Takedown.

El diseño de pantallas que está bien pensado, con huecos minúsculos para pasar o un tráfico bien trabajado, con coches de una misma vía desalineados o cambiando de carril (eso sí, todos ponen el intermitente). Es un desafío extremo las secciones en los callejones de esta “Neotokio”, pero el tener que repetirlas hasta la saciedad por rozar mínimamente un coche u obstáculo hace pensar en una dificultad deshonesta.

Nuestra conducción a examen.

He nombrado ante unos sellos demoníacos. Son las medallas del sistema de puntuación de Motor Rush Reborn. Se conceden al superar el tiempo establecido en cada fase, el número de choques que has tenido y también por el número de “casi fallos” obtenidos, así denominan al pasar muy cerca de los vehículos. Este parámetro está íntimamente ligado con el tema de la dificultad. Tienes que rozar a los coches, no vale con pasar muy cerca, por lo que la posibilidad de hacer un fallo total es muy alta.

También se pueden encontrar sellos diseminados por las fases. En los lugares más inaccesibles y huecos por los que no se te ocurriría pasar. Estos sellos junto con los demás sistemas de puntuación obligan a rejugar cada pantalla centrándose en uno de los aspectos. Si vas rápido evitas todas las dificultades, si vas a los “casifallos” olvídate de controlar el contador de Choques. Y lo mismo para encontrar los sellos. Hay que ser una máquina para conseguir todos los sellos en una misma jugada.

Efecto tunel.

El diseño artístico y gráfico del juego no destaca porque es lo mismo todo el rato, excepto por la moto (que sólo vemos el manillar) el estilo cell shaded no se aprecia, los fondos varían muy poco, pero tampoco nos vamos a fijar porque tenemos que tener los ojos puestos en la carretera. No hay cinemáticas ni transiciones, vamos de la fase a la tabla de puntuaciones. La moto entera sólo se ve en el menú principal. Pasa lo mismo con la música, es una electrónica genérica que va variando sobre una misma base, por lo que da la sensación de ser siempre la misma.

Conclusiones.

Moto Rush Reborn es un juego simple. No se detiene en contarte una historia, aquí has venido a esquivar sin motivo aparente. No tiene tiempo de ponerse con cinemáticas y darle una profundidad a la carrera. Lo mismo sucede con sus mecánicas: no tiene tiempo para asombrarte con dinámicas diferentes. Lo que se ha visto desde el principio es lo que te ofrece, con variantes en la dificultad. Esta es buena en diseño de niveles y mala a nivel jugable por descompensada. Rompe el dinamismo de la fase y su sensación de velocidad. Es entendible porque lo hacían cuando teníamos que echar una moneda, pero con el diseño de las pantallas era suficiente en este caso.

Quien quiera revivir unos buenos de partidos pixelados, entonces no se puede perder Basketball Classics

He de reconocer que dentro de los géneros que habitualmente disfruto en la consola, los deportivos son los que menos toco. Puede que que tanta complejidad, realismo y estrategia me sobrepase. Pero aun así, tengo buen recuerdo de cuando jugaba en la NES partidos de fútbol o baloncesto que la ayuda de únicamente dos botones (bendito Hoops y sus partidos de uno contra uno…). Cogiendo ese testigo de partidas rápidas y directas nos llega a nuestra consola Basketball Classics. Un título sin más pretensiones que pasemos un buen rato agradable viendo todo el espectáculo que pueden ofrecer los 8 bits que recrea en todo momento.

La mítica Acclaim y Namo Gamo son los encargados de brindarnos todas esas vibras noventeras del baloncesto gracias a Basketball Classics. Disputaremos partidos de cinco contra cinco en varios modos de juego, con diferentes niveles de dificultad e incluso podremos personalizar a nuestro equipo. Con solamente tres botones y un par de estrategias fáciles de entender, pronto seremos los amos de la pista.

Directo al Hall of Fame

Para empezar, voy a destacar las bondades de su modo historia. Nosotros encarnaremos a un chico que, después de una visión en un museo, decide enfrentarse a las grandes leyendas clásicas de este deporte. Cómo consigue viajar en el tiempo con su equipo es irrelevante. Eso sí, disfrutaremos de enfrentamientos míticos contra estrellas “camufladas” (no son los nombres reales), pero que podremos intuir por los colores de su equipo y el año de la disputa. Como si fuera un Megaman, elegiremos a nuestro rival y lo desafiaremos para alcanzar nuestro gloria absoluta. No digo nada más, pero hay sorpresas que no pienso spoilear…

Este modo historia es un mero pretexto para disfrutar de enfrentamientos en una dificultad progresiva. Más allá de esta variante, Basketball Classics también contará con partidos rápidos (contra la máquina o en local contra otro amigo), o un modo Temporada donde iremos sumando puntos en una liga frente a otros equipos. Sea cual sea la variante que escojamos, el objetivo será el mismo: encestar la pelota en la canasta del rival.

Vuela alto mientras puedas

Con sólo tres botones haremos todas las acciones del juego: pasar, tirar, robar la pelota, bloquear al adversario… Todo es muy intuitivo y con ese toque puramente arcade que lo hace visualmente tan espectacular en ciertas animaciones. Cabe destacar esos momentos de suspensión en el aire antes de hacer un mate donde tendremos que buscar la manera de que el rival no nos bloquee. Moveremos el brazo en las tres alturas disponibles evitando encontrar la misma altura del rival. Algo simplista pero muy efectivo.

Eso sí, pese a la espectacularidad de esos momentos (o en los shows en los descansos, que son una gozada), hay fallos en la matriz… Para empezar, cuando se falla un tiro (ya sea nuestro o del contrario) se crea un caos en pantalla donde no sabes si el rebote lo has cogido tú o el adversario. Es demasiado lioso, y algunas líneas de parqué en según que escenario no ayudan en absoluto. La IA tampoco está muy bien lograda. No serán pocas las veces que el equipo rival se empezará a pasar la pelota como locos y sin querer provoquen una falta por campo atrás. Incluso en niveles de dificultad más avanzados, en varias ocasiones se repetía el mismo patrón.

Apurando las décimas

Hay un factor estratégico que parece estupendo en un principio, pero que pronto se diluye. Cuando sacamos en nuestro campo, habrá tres líneas en el suelo que derivan en tres estrategias diferentes. Si quieres puedes hacerlas… pero también puedes actuar por tu cuenta. Yo como poco entendido en la materia, prefería ir a mi bola y no me fue tan mal. Lo que tiene algo más de importancia son los tiempos muertos, especialmente cuando quedan pocos segundos antes de que cada cuarto acabe.

En general, Basketball Classics me ha parecido un título de baloncesto muy disfrutable, que contra la máquina acaba siendo algo monótono. Es diferente si jugamos contra un colega, que que con dos partidos sabrá perfectamente adaptarse a los controles y estoy seguro que el nivel será más igualado. Aun así, se podrían haber incluido alguna que otro modo de juego adicional para que hubiera más opciones en su vertiente single-player.

Conclusión de Basketball Classics

Acclaim y Namo Gamo nos brindan un título de baloncesto que recoge todas las vibras noventeras que tuvimos en las consolas de nuestra infancia. Con un control simplista pero efectivo, disputaremos partidos contra las grandes leyendas de ayer y hoy. Es una propuesta pixelada, sin rostros en los jugadores, ni partículas de ningún tipo. Pese a eso, las secuencias mientras hacemos un mate o en los tiempos muertos son muy espectaculares.

Podría haber sido algo más… pero la IA no acompaña en su vertiente single-player, y al poco de acabar el juego tampoco hay un aliciente que te pique a progresar. Pese a estos fallos, estoy seguro que si invitas a alguien a casa y le propones unos partidos en Basketball Classics, la tarde se te pasará volando entre partido y partido. ¿Listo para marcarte un triple?

Más de 20 años después, Koei Tecmo nos trae de nuevo uno de sus títulos más memorables. 

El remake de Fatal Frame II: Crimson Butterfly (o Project Zero, como se conocía la saga en Europa) de Koei Tecmo devuelve a la vida uno de los títulos más venerados de los videojuegos de terror japoneses. Y lo hace reconstruyéndolo desde cero para adaptarlo a los tiempos modernos, mientras que intenta preservar el terror asfixiante que caracterizó al original. 

Ambientada en la abandonada aldea de Minakami, la historia sigue a las hermanas gemelas Mio y Mayu mientras quedan atrapadas en una pesadilla ritualista marcada por la pérdida, los recuerdos y los espíritus que aún perduran. La narrativa sigue siendo uno de los puntos fuertes de la serie, entretejiendo la vulnerabilidad emocional con el terror. Aún así, avisamos de que su ritmo deliberadamente lento y su narrativa críptica pueden, en ocasiones, alejar a los jugadores que prefieren una exposición más directa.

El remake se apoya en gran medida en la atmósfera y, en ese sentido, tiene mucho éxito. El pueblo se siente más realista que nunca, con una iluminación reelaborada y detalles ambientales que amplifican su tono opresivo. Las sombras se alargan de forma antinatural, los interiores resultan claustrofóbicos y la interacción entre la luz y la oscuridad se convierte en una fuente constante de tensión. Al mismo tiempo, la renovación visual, aunque eficaz, no se aleja del todo de sus raíces, y la rigidez ocasional de las animaciones y los modelos de los personajes delata los orígenes del juego.

Un elemento central de la experiencia es la Cámara Obscura, una mecánica que sigue definiendo la identidad de la franquicia Fatal Frame. El combate se desarrolla a través de una combinación de sincronización, posicionamiento y toma de decisiones de riesgo, ya que los debemos encuadrar a los espíritus en el último momento posible para infligir el máximo daño mediante la fotografía. El remake amplía esto con características adicionales como filtros y controles de cámara mejorados, añadiendo una capa de flexibilidad táctica. Estos añadidos enriquecen los encuentros, pero también pueden inclinar ligeramente la balanza hacia la repetición, especialmente a medida que encuentros similares con fantasmas comienzan a repetirse a lo largo del juego.

La exploración y la resolución de puzles siguen estando estrechamente entrelazadas con los elementos de terror, lo que anima a los jugadores a recorrer con cuidado el pueblo mientras descubren fragmentos de su trágica historia. El ritmo más lento juega a favor del juego a la hora de crear tensión, pero también puede dar lugar a tramos que se hacen demasiado largos, sobre todo al volver sobre zonas ya conocidas. El nuevo contenido secundario y las áreas ampliadas ofrecen más contexto y longevidad, aunque no todas las novedades resultan igual de significativas en cuanto a impacto narrativo.

Una de las novedades más destacadas es el énfasis en el vínculo entre Mio y Mayu, especialmente a través de mecánicas que refuerzan su conexión. Esto añade peso emocional al viaje, fortaleciendo los temas de la historia.

Desde el punto de vista sonoro, este remake destaca. El uso del sonido espacial potencia la sensación de vulnerabilidad, con susurros lejanos, pasos y efectos de sonido repentinos que crean una inquietud constante, especialmente con un sistema de sonido envolvente. Esta capa auditiva funciona en perfecta armonía con las imágenes para mantener la tensión incluso en los momentos más tranquilos. 

Es de agradecer también que el título venga totalmente traducido al castellano, cosa que no había ocurrido con los últimos juegos de la saga. Aún así, hemos tenido algún problema con los subtítulos, con momentos en los que aparecían en italiano. Esperemos que lo arreglen con algún parche. El audio eso sí, en japonés e inglés. 

En Xbox Series X, la experiencia general se beneficia del lavado de cara gráfico y unos controles modernizados, lo que hace que el juego sea más accesible que su predecesor. Sin embargo, el título está capado a 30 FPS con solo un modo gráfico. 

Dicho esto, el esquema de control sigue presentando un cierto grado de rigidez intencionada que, aunque contribuye al terror, puede resultar molesto si lo comparamos con títulos actuales y con otros remakes modernos de juegos de terror. Esta tensión entre modernización y conservación es el núcleo del remake: consigue conservar la identidad del original, pero no sin heredar algunas de sus limitaciones.

Conclusión 

Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake es una cuidada reinterpretación del videojuego original, con todo lo que ello conlleva. Sus puntos fuertes residen en su atmósfera, su narrativa emotiva y su sistema de combate único, todos ellos elementos que siguen siendo cautivadores incluso años después. Al mismo tiempo, sus problemas de ritmo, la repetición ocasional y la rigidez mecánica persistente le impiden alcanzar plenamente las cotas del videojuego de terror moderno. Para los aficionados al género y a la serie en particular, sigue siendo una experiencia inquietante y memorable, que demuestra que su diseño básico sigue teniendo el poder de inquietar, incluso 20 años después.

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