A Pizza Delivery es una obra íntima y experimental del desarrollador indie español Eric Osuna, que transforma una entrega de pizza en un viaje emocional sobre el duelo.

Indie español.

A Pizza Delivery no nace de un gran estudio, sino del esfuerzo personal de Eric Osuna, un joven desarrollador catalán que debuta con este título. Osuna ha trabajado durante cinco años en esta obra, acompañado por su amigo LaFrancesssa, responsable de la banda sonora.

Este es su primer videojuego, aunque su trayectoria como crítico y amante de los videojuegos lo precede, ya que ha escrito artículos sobre títulos como Virginia o The Last Guardian. Su salto al desarrollo fue impulsado por una necesidad expresiva. El juego, según él, es una forma de terapia, una carta abierta sobre lo que significa sentirse perdido y buscar consuelo en los demás.

La publicación del título corre a cargo de Dolores Entertainment, una distribuidora española que ha apoyado varios títulos indie, y el proyecto ha contado con el respaldo del Ministerio de Cultura, lo que refuerza su valor como obra cultural más allá del entretenimiento.

Una historia sobre duelo, despedida y empatía.

La narrativa de A Pizza Delivery gira en torno a B, una joven repartidora que debe entregar su última pizza del día. Pero lo que comienza como una tarea rutinaria se transforma en un viaje surrealista por paisajes liminales y personajes atrapados en sus propios conflictos emocionales.

Cada parada representa una metáfora: el duelo, la nostalgia, el miedo al cambio, la soledad. Osuna ha declarado que el juego está plagado de referencias personales, como las tres chimeneas de Barcelona o los tatuajes de su mejor amiga. El mundo que recorre B no es físico, sino emocional: uno donde cada encuentro es una oportunidad para sanar, compartir y comprender.

La pizza en A Pizza Delivery, lejos de ser el centro, es la excusa para hablar sobre la cercanía y la empatía. Compartir una rebanada con cada personaje se convierte en un acto simbólico de conexión humana. El juego no busca respuestas, sino acompañamiento.

Apartado técnico: Unity, limitaciones y honestidad visual

A Pizza Delivery está desarrollado en Unity, el motor gráfico más popular entre los estudios indie por su accesibilidad y versatilidad. Sin embargo, el juego no pretende deslumbrar visualmente. Es evidente que los recursos han sido muy limitados, y el enfoque estaba en la narrativa y la atmósfera. Por lo que el título es bastante flojo a nivel visual, aunque brinda varios momentos visuales, a modo de transiciones, muy bien integrados y que, dentro de sus limitaciones, son bastante bellos. Se nos queda la duda de ver de que sería capaz este desarrollador con mas presupuesto.

El apartado gráfico es minimalista y surrealista, con escenarios que parecen sacados de un sueño lúcido. No hay texturas hiperrealistas ni efectos complejos, pero sí una dirección artística coherente con el tono emocional del juego. Los entornos son bastante parcos y poco detallados, aunque transmite gracias al uso de los colores apagados y las transiciones tan bien creadas de las que hablábamos antes.

Esta estética recuerda a títulos como Journey o Inside, donde lo importante no es lo que ves, sino lo que sientes al recorrerlo, aunque a nivel de modelado de personajes y escenarios se nota la falta de recursos.

Sonido: LaFrancesssa y la música como bálsamo

La banda sonora corre a cargo de LaFrancesssa, amigo personal de Osuna, que ha creado una composición ambiental y melancólica que acompaña cada momento del juego. El sonido no busca protagonismo, sino envolver al jugador en una atmósfera introspectiva.

Cada nota está pensada para reforzar el estado emocional del entorno y del personaje que lo habita. En lugar de temas épicos o melodías pegajosas, el juego apuesta por melodías suaves, silencios significativos y efectos ambientales que refuerzan la narrativa. El diseño sonoro se integra de forma perfecta con el ruido de nuestra Vespa.

Jugabilidad.

A Pizza Delivery se define como un walking simulator con elementos de puzzle. La jugabilidad es sencilla, casi contemplativa. Conduces una Vespa por escenarios surrealistas, te detienes, exploras, hablas con personajes y resuelves pequeños rompecabezas.

Los puzzles no son desafíos lógicos, sino acciones más centradas en la observación y ser conscientes del entorno. No hay una gran jugabilidad, más allá de activar una palanca para desbloquear un recuerdo, colocar una estrella para abrir un camino, usar una cinta transportadora para entregar una pizza. Todas ellas sencillas, pero entretenidas.

Mecánicas contemplativas.

Es cierto que la parte de los puzles es totalmente opcional ya que puedes recorrer el juego de principio a fin sin resolverlo, en una experiencia meramente narrativa. La interacción con los personajes es el eje del juego, pero no hay combates, ni puntuaciones, ni misiones secundarias. Solo B, nuestra Vespa, y una pizza que representa mucho más que comida y que el juego nos guía a compartir todo el rato.

Se trata de un título que resolviendo puzles puede llevarte un par de horas en resolver, pero que si quieres vivir de manera narrativa dura apenas una hora. Una de sus grandes lagunas es el control, en este apartado se nota de nuevo que hay poco tiempo invertido y nos hubiera gustado una mejor experiencia en la conducción al menos.

CONCLUSIÓN

A Pizza Delivery no es un juego para todo el mundo. Algunos lo encontrarán vacío, lineal y jugablemente muy limitado. Y es cierto, así es. No hay que olviodar que se trata de un título indie y de debut de un pequeño estudio formado por 3 o 4 personas que han intentado expresarse a través de un videojuego.

Tiene muchos aspectos en los que mejoras, pero hay otros donde lo ha hecho de manera genial.  A Pizza Delivery es un juego quienes valoran las experiencias íntimas, vulnerables y artísticas. En un mercado saturado de gráficos espectaculares y mecánicas complejas, este título apuesta por lo emocional, lo simbólico y lo humano. A mi en lo personal, me ha empujado a buscar respuestas y seguir hasta el final, y es que sus bondades hacen que sus defectos pasen a un segundo plano.

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Nos convertimos en dios encarnando gigantes con gran poder que modelan mundos a su gusto.

Reus 2 nos vuelve a encomendar la tarea de dejar de ser humanos y convertirnos en dioses. El título de Abbey Games nos permite escoger entre seis titanes distintos, cada uno de ellos capaz de dar vida a diferentes plantas, animales y minerales para que los incipientes asentamientos humanos puedan florecer o fracasar bajo tu mano. 

La secuela de Reus amplía las posibilidades que se nos daban en el primero. Por ejemplo, ahora las partidas abarcan planetas de todo un sistema solar y una progresión de estilo borrador da a cada partida su propia paleta de biótica y objetivos. Esa estructura más amplia hace que la progresión resulte gratificante y que la experimentación tenga una recompensa real. Ver cómo evoluciona una civilización a lo largo de las eras, desde proyectos sencillos hasta misiones ambiciosas, crea bucles largos satisfactorios de juego que recompensan la curiosidad del jugador.

Desde el punto de vista de las mecánicas, Reus 2 es más complejo, lo que hará las delicias de los aficionados a los juegos de construcción. La ubicación, la adyacencia y los microelementos son importantes, así como la interacción entre las etiquetas bióticas y los objetivos de cada era. La metaprogresión y los sistemas de colección facilitan el acceso a nuevas habilidades a lo largo de múltiples partidas, lo que mantiene el bucle fresco en lugar de repetitivo. Dicho esto, la profundidad tiene dos caras: algunos sistemas están poco explicados creando la confusión en el jugador. La curva de aprendizaje recompensa la paciencia, pero los recién llegados pueden sentirse abandonados a aprender por ensayo y error más que por el texto del tutorial. El juego hay que mencionar que está totalmente traducido al castellano. 

En Xbox, la experiencia de juego con mando es regular. El ritmo relajado y sin límite de tiempo del juego, así como la banda sonora ambiental se adaptan perfectamente a las sesiones en el sofá, pero la interfaz sigue mostrando sus raíces en PC. El escalado del texto y la legibilidad de la interfaz de usuario requieren de una mejora inmediata y la navegación con el mando a veces parece como si se utilizara un joystick en lugar de un ratón sin pulir. Pese a todo, la versión para Xbox es perfectamente jugable una vez que se aprenden sus peculiaridades.

Visualmente y sonoramente, Reus 2 hace mucho con una paleta sobria. Tenemos biomas estilizados y coloridos y una cálida banda sonora ambiental que crean una atmósfera acogedora para partidas largas y lentas. La alegría de ver cómo encaja un ecosistema, con pequeñas sinergias que producen resultados sorprendentes, es donde el juego encuentra su encanto. Las capas estratégicas adicionales de la secuela proporcionan muchas razones para reiniciar y perfeccionar. 

Conclusiones 

En definitiva, Reus 2 es un juego de “conviértete en un dios” inteligente y contemplativo que te va enganchando a medida que juegas. Está lleno de sistemas jugables profundos y momentos de satisfacción creativa, pero su complejidad y los problemas actuales de la interfaz de la consola hacen que sea mejor abordarlo con paciencia (o en PC si quieres una experiencia más fluida). Los aficionados a la estrategia metódica le sacarán mucho partido. Los jugadores que necesiten un tutorial más claro o una interfaz de usuario pulida y fácil de usar desde el sofá quizá quieran esperar a que salgan los parches que arreglen sus defectos.

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Análisis de Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 para Xbox Series X.  Una esperada secuela con poca sangre.

Para los vampiros, existen tres tipos de sangre de la que alimentarse: la humana, exquisita y embriagadora; la vampírica, prohibida y peligrosa; y la animal, funcional pero insípida. Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 se asemeja a esta última. Al jugarlo, uno siente que alimenta su sed con algo que cumple su propósito, pero que carece del sabor intenso que se esperaría de una obra con tal linaje.

Tal agriamiento es debido a que el título de Paradox Interactive ha tenido uno de los procesos creativos más accidentados que se recuerdan. Inicialmente desarrollado por Hardsuit Labs, el juego fue retirado de sus manos por Paradox en 2021 debido a diferencias creativas y problemas internos. Posteriormente, el estudio británico The Chinese Room (conocido por su enfoque narrativo en títulos como Dear Esther, Still Wakes the Deep o Everybody’s Gone to the Rapture) asumió el mando.

Tras múltiples retrasos, cambios de mecánicas y alguna que otra polémica relacionada con DLCs, la nueva entrega de la saga ambientada en la serie de rol World of Darkness ha llegado a nuestras manos. Y afortunadamente, después de haber probado todo lo que ofrece, puedo decir que Bloodlines 2 no está muerto, aunque tampoco está del todo vivo.

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Vampiros en Seattle

Una de las principales variaciones que recibió Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 al cambiar de estudio fue el enfoque de su historia. La trama original de Hardsuit Labs, donde eras un vampiro recién convertido (Neonato), de sangre débil y que necesita aumentar su poder, ha sido reemplazada por una nueva de The Chinese Room.

Ahora controlaremos a Phyre, un vampiro (o vampiresa en mi caso) Anciano que ha despertado en el año 2024 tras un letargo de cien años. Atrapados en Seattle, deberemos averiguar por qué hemos resucitado en este lugar concreto y de dónde procede una extraña marca que tenemos en la mano y que nos impide abandonar la ciudad. Para ayudarnos a resolver este misterio (o aportar más intrigas), contaremos con la ayuda de Fabien. Este es un vampiro detective de clan Malkavian. Su esencia se ha adherido a nuestro cuerpo por algún motivo y podremos conversar en nuestra mente con él.

Mundo de Tinieblas

Como he mencionado anteriormente, Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 se ambienta en uno de los universos de rol de la serie World of Darkness, creada principalmente por Mark Rein-Hagen y White Wolf Gamming Studio. La narrativa del juego se despliega a través de una estructura ramificada. Aquí nuestras decisiones, en principio, afectan no solo al destino de Phyre, sino también el equilibrio de poder entre los clanes vampíricos.

La Camarilla, los Anarquistas y otras facciones están en constante lucha por el control de la ciudad. Nuestro protagonista se verá constantemente obligado a navegar entre alianzas frágiles, traiciones y dilemas morales. Dicha complejidad política es uno de los grandes aciertos de la obra, heredando el espíritu del juego de rol original.

Otro aspecto destacable es la escritura de los diálogos. Cada conversación está cargada de subtexto, manipulación o amenazas velada. Deberemos elegir cuidadosamente cada respuesta si no queremos ganarnos peligrosas enemistades. Los personajes secundarios están bien construidos y aportan capas de profundidad al mundo. Sin embargo, algunos arcos narrativos no alcanzan su máximo potencial.

Ciertos hilos argumentales se sienten abruptos o inconclusos. También hay ocasiones donde sentiremos que nuestras decisiones no tienen el peso que deberían. Por suerte, Bloodlines 2 logra mantener el interés gracias a su ambientación y a la fuerza de su mundo.

Rodarán cabezas

Pero donde realmente se le notan las costuras a Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 es en el combate. The Chinese Room ha querido darle un toque de acción al juego introduciendo un sistema basado en habilidades vampíricas, armas a distancia y ataques cuerpo a cuerpo en primera persona. Al completar el prólogo, podremos escoger entre 6 clanes diferentes de vampiros. Cada uno de ellos posee su estilo de combate propio y habilidades características. El problema es que algunos están más pensados que otros para contiendas directas con muchos enemigos, que es lo que nos encontraremos mayoritariamente durante todo el juego.

Si, por ejemplo, elegimos ser del clan Brujah, cuyo poder reside en la fuerza bruta y la velocidad, nuestro inicio en la aventura será un paseo. Especialmente cuando desbloqueemos un par de habilidades especiales de su árbol. Pero si elegimos ser un miembro de Banu Haquim o del clan Lasombra, en muchas ocasiones sudaremos sangre (nunca mejor dicho) para acabar con más de 15 enemigos en sigilo. Por suerte, este desbalance se va arreglando poco a poco conforme desbloqueamos destrezas de otras facciones. Esto lo lograremos subiendo de nivel, consiguiendo ciertos puntos de habilidad al absorber la sangre de determinados objetivos y forjando alianzas.

La verdad se esconde en la noche

Paralelamente a la historia de Phyre, el juego nos irá introduciendo de vez en cuando la trama del detective Fabien mediante secuencias de flashbacks. En estas partes es donde The Chinese Room muestra todo su potencial en la creación de experiencias narrativas. Aquí abandonaremos la acción para centrarnos en la investigación de un caso de asesinato de un Príncipe vampiro. El tono pasará a ser más introspectivo y nuestras habilidades de combate se sustituirán por otras basadas en la indagación.

Con Fabien podremos interrogar sospechosos y analizar pistas que nos ayuden a atar cabos para descubrir al culpable. Como Malkavian, seremos capaces de leer las mentes de los testigos, cambiar nuestro aspecto para que confíen en nosotros, alterarles la memoria e incluso interrogar espíritus o entes inanimados. Revelar poco a poco nuevos datos y ver cómo, a su vez, todo este caso está relacionado con la trama principal, es de lo mejor que veremos en Bloodlines 2.

Las luces y sombras de Seattle

A nivel técnico, Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 presenta un apartado tan ambicioso como irregular. Todo el juego se desarrollará en la ciudad de Seattle. Un hub que pretende aparentar ser un pequeño mundo abierto con misiones principales y secundarias. Con Phyre podremos recorrerla fácilmente a la carrera, escalando edificios o planeando entre ellos. Eso sí, siempre tendremos que mantener ocultos nuestros poderes a la vista de los mortales, pues no debemos romper la Mascarada.  Si esto ocurre, pasará algo peor que las calles se llenen con pintadas de “VANPIRO ESITEN”. La policía nos intentará dar caza o incluso podremos recibir una inesperada estaca en el corazón.

Gráficamente, el título hace uso del motor Unreal Engine 5 para ofrecernos entornos detallados, niebla volumétrica y efectos de iluminación dinámicos. Todo casa perfectamente con la atmósfera gótico-punk del universo de Vampire: The Masquerade. Pero si hablamos de los diseños de NPCs, estos presentan muchas disparidades. Mientras que los personajes principales cuentan con un modelado preciso y animaciones faciales muy decentes, los enemigos masilla o viandantes de la ciudad repiten sus diseños hasta el hartazgo.

Respecto al rendimiento, Bloodlines 2 cuenta con dos modos: calidad y rendimiento. Tras probar ambos nada más empezar la partida, acabé optando por el segundo. En este ofrece una tasa de 60 FPS a cambio de una resolución gráfica menor. Aunque me he encontrado ciertas caídas de frames durante mi partida (sobre todo en ciertas animaciones durante los combates), la tónica general ha consistido en una experiencia de juego bastante fluida y cómoda. Aunque no se salva de pequeños bugs

En lo musical, Rick Schaffer se ha vuelto a encargar de componer la banda sonora mientras el desarrollo del juego estaba en manos de Hardsuit Labs. Estos temas se ven intercalados con un sonido ambiente de gran calidad, que consigue sumergirte en los clubes nocturnos de la ciudad con su música tecno. Cabe destacar también que, aunque el juego no está doblado al castellano, cuenta con interpretaciones de voz de muy buena calidad. Sobre todo para los personajes importantes.

En definitiva

A pesar de sus problemas, Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 no es el descalabro que uno podría pensar tras ver el tormentoso proceso de desarrollo del título de Paradox Interactive. The Chinese Room ha tomado las riendas de un proyecto que ya tenía un pie en el ataúd para resucitarlo como un RPG de acción cuya fuerza reside, paradójicamente, en su parte narrativa.

Bloodlines 2 nos otorga una placentera fantasía de poder al ponernos en el papel de un poderoso vampiro con poderes y fuerza sobrehumana. Pero al mismo tiempo nos la quita ofreciéndonos un sistema de combate que carece de profundidad. La IA enemiga suele mostrar patrones predecibles y el diseño de encuentros tiende a ser repetitivo (casi siempre estaremos luchando contra los mismos 5 tipos de enemigos). Simplemente es una experiencia funcional y está lejos de ser revolucionario.

Por suerte, esto se ve compensado por una narrativa que logra sumergirnos en una atmósfera oscura y seductora llena de misterio. Podremos coquetear con los distintos clanes que gobiernan una ciudad de Seattle cubierta por la nieve y la niebla de la noche. Tendremos un buen surtido de líneas de diálogo para investigar a cada personaje.

En líneas generales, se nota el cariño con el que The Chinese Room ha tratado a la serie World of Darkness y al juego original de 2004. Si os gusta empaparos con todo el lore de este tenebroso universo, Bloodlines 2 os regalará unas cuantas horas de disfrute con sus vampiros, aunque estos tengan los colmillos algo mellados.

Just Dance 2026 se renueva con interesantes implementaciones para que sigamos siendo los reyes del baile… en el salón de casa

El baile. Ese cortejo que hacíamos cuando éramos chavales que nunca nos sirvió para nada. Años sacando a relucir nuestros pasos prohibidos sin la menor recompensa. Y todo seguramente porque no teníamos a mano herramientas tan didácticas y divertidas como lo es Just Dance 2026. Sí amigos, el título rítmico de Ubisoft vuelve a la carga para que demos lo mejor de nosotros con multitud de coreografías de lo más variadas. Así que si eres de los que nunca se comió un rosco en su adolescencia por tener nula coordinación, ahora es momento de dar carpetazo para convertirte en el rey de la pista de baile.

¡Arriba las manos, abajo las caderas!

Creo que todo el mundo sabe perfectamente el funcionamiento de Just Dance 2026. Se trata de un simulador de baile donde tendremos que imitar de la manera más fidedigna posible los movimientos que hacen los bailarines en nuestra televisión. Cuanto mejor lo hagamos, mayor puntuación recibiremos y viceversa. Para poder llevar un control de nuestros movimientos, desde hace unas cuantas ediciones atrás deberemos bailar con el móvil en nuestra mano. Desconozco mucho la fiabilidad de este “modus operandi”, pero por suerte en esta entrega veremos alternativas muy interesantes.

Al final, cuando bailas con el móvil puedes pasar muchas cosas… y ninguna buena. En mi caso, con una peque bailando en el salón, rezaba antes de cada canción para que mi teléfono no saliera disparado en dirección a la televisión. Más allá de los daños físicos ocasionados, al final la única forma de valorar tu actuación consistía en el trazado de la mano. Daba igual que estuvieras quieta como un palo si el brazo derecho realizaba todas las coreografías correctamente.

Bucle infinito de movimientos bailongos

Just Dance 2026 rompe barreras con la incorporación de la cámara de nuestro móvil. Una especie de Kinect casero muy bien pensado para todo nuestro cuerpo sea evaluado, y sin necesidad de llevar dispositivos móviles a cuestas. Esta modalidad está empezando a andar, como quien dice, y se nota por las limitaciones que posee. Para empezar, sólo está restringido a una única persona. Y las versiones de móviles con iOS 14.4 o superior y Android 9 o superior. No tengo pruebas ni tampoco dudas que iremos viendo un avance por esta línea.

Las novedades no acaban aquí. Como en otras franquicias grandes como por ejemplo Call of Duty, ahora podremos integrar todas las ediciones adquiridas en un único espacio, sin necesidad de tener que ir alternando entre juego y juego. Una mejora significativa que además viene acompañado del servicio Just Dance + . Puede atemorizar escucharlo de primeras, pero la cantidad de canciones que contiene esta suscripción es enorme y nos apañará una fiesta en casa por poco dinero. Y aún así, si no estamos dispuestos a pagar ni un euro más, tenemos bailes de sobra con los 40 temazos que componen esta versión actual.

Tócala de nuevo, Ubi

No voy a poner el listado entero, pero tenemos éxitos tan conocidos como APT de ROSÉ & Bruno Mars, Abracadabra de Lady Gaga o incluso temas infantiles como un remix de Bluey. Todas y cada una de las canciones con su propia coreografía, escenarios y ambientación que lo hacen especial. Y eso es algo que valoro mucho. En comparación con otra saga de canto donde la experiencia se queda reducida a un mero karaoke, aquí el juego intenta ganarte tanto por lo acústico como por lo visual. Mención especial a las canciones Disney que hay en Just Dance+ y la puesta en escena. Es para ver el baile de Aladdin, aunque sea como un mero espectador.

Eso sí, mas allá de eso… el juego sigue siendo el mismo. Bailes con amigos hasta 6 personas, retos en equipo en su modo party… y ha engrosar el marcador personal con todos las coreografías que plantea. Podrían mejorar más es aparte con algún tipo de aliciente o premio más allá de las skins que uno adquiere por subir de nivel. Es raro que en un juego no haya un factor “gamificador” más potente en sus partidas, pero supongo que esta fórmula funciona cuando llevan saliendo ediciones año tras año.

Conclusión de Just Dance 2026

Ubisoft vuelve a la carga con su franquicia de baile más internacional, y esta vez nos propicia jugosas novedades. Estamos ante la misma jugabilidad de siempre, donde las coreografías son el plato principal, pero esta vez podremos ejecutarlas teléfono en mano o con la cámara del móvil. Es un sistema que se tiene que ir puliendo, pero seguramente sea el camino ideal para futuras ediciones.

Para los más bailones, contaremos con una interfaz que por primera vez unifica otras versiones que hayamos adquirido. Parece una tontería, pero tener todo nuestro repertorio a mano es una delicia y nos evita estar buscando canciones entre juego y juego. Además, si nos quedamos cortos de bailes, siempre podemos recurrir a Just Dance+, un servicio de suscripción donde encontraremos temas de lo más variados. No es un elemento imprescindible si tenemos en cuenta que Just Dance 2026 tiene ya 40 canciones de base, pero siempre se agradece la opción de engrosar nuestro tracklist.

Angry Video Game Nerd 8-bit es un juego de acción y plataformas 2D con estética retro en el que somos un nerd que tiene que recuperar su consola que ha sido poseida, para ello tendremos que vencer a un cartucho.

Angry Video Game Nerd 8-bit es un juego nos presenta a una persona llamada James Rolfe, conocida hace unos años dentro de internet como Angry Video Game Nerd y que ahora tenemos una entrega en forma de videojuego donde se homenajea a varios juegos de la consola NES de Nintendo. El juego tiene una gran cantidad de humor absurdo desde el inicio ya sea con el video de presentación como con el nombre de los jefes y las líneas de diálogo del nerd en todo momento, es un elemento importante en el juego que si no te llega no verás más allá.

Historia y controles

Angry Video Game Nerd comienza con un espíritu invadiendo la habitación del nerd y a base de gritos en insultos termina tomando el control de su consola de videojuegos, por su lado el nerd encuentra que la única forma de recuperar el control de su amada consola es jugando un cartucho muy especial el cual está formado por distintos jefes distintos en unos niveles de distintos entornos cuyo nombre es del todo peculiar. Eliminar a cada uno de estos jefes es necesario para poder conseguir acceso al combate final por la consola. Los niveles son cortos y si que es verdad que la duración del juego no es muy larga.

Es un videojuego de estilo 8bits donde se mezcla plataformas y acción con unos controles básicos de la época con apuntar, saltar, disparar y deslizarse para poder acceder a distintas zonas. Controles sencillos para enfrentarnos a los enemigos que nos irán saliendo en cada uno de los niveles para borrarnos de la existencia, podremos elegir entre distintos niveles de dificultad donde el nivel más bajo de ellos sigue aportando un cierto desafío. Si que es verdad que en alguna situación he tenido momentos donde he perdido cierta cantidad de vida donde había poco margen de maniobra.

Tendremos items para recuperar vida e incluso podremos upgradear nuestra arma mejorando nuestro disparo como por ejemplo disparar con 3 proyectiles a la vez, si que es verdad que según vayamos recibiendo daño iremos perdiendo esas mejoras por unos segundos, pero las podemos recuperar antes de que desaparezcan de nuevo.

Gráficos y sonido

Como su propio nombre indica en Angry Video Game Nerd 8-bit tenemos un estilo visual de pixeles donde cada nivel se distingue uno de otro ya que tienen unos estilos diferenciados, esta estética retro hace que nunca se olvide el origen del hobby del que disfrutamos durante estos años. La música y sonido como buen juego de plataformas de la época tiene un papel fundamental con los distintos efectos de sonido del personaje, al pistola y los enemigos, si que es verdad que la música puede llegar a ser molesta sobre todo si llevas un rato intentando superar una fase.

Conclusiones Angry Video Game Nerd 8-bit

Angry Video Game Nerd 8-bit es un videojuego de acción y plataformas 2D en el que un nerd vive una situación surrealista y nosotros somos su única esperanza para ayudarle a recuperar su consola, eso está bien en como el juego nos habla directamente a nosotros. Un humor que lo amas o lo odias dan al juego un toque distinto a lo que hay en el mercado, mas allá de eso tenemos un juego de una duración algo corta con niveles diferenciados y unos jefes finales que nos pondrán a prueba. El tema de la dificultad es algo que no está muy fino perjudicando algo demás al jugar en la dificultad fácil.

La secuela de la extraña aventura isométrica lanzada en 2016, Lumo 2, vuelve a nuestras consolas para arreglar errores del pasado

Hay juegos que no necesitan grandes presupuestos ni efectos deslumbrantes para dejar huella, sino una buena idea y cariño por lo clásico. Lumo 2 pertenece a esa categoría, una aventura isométrica que rinde homenaje a los títulos británicos de los 80 y 90, donde la exploración y la observación eran más importantes que la acción desenfrenada. Su primera entrega fue un experimento interesante, aunque con ciertos tropiezos. Ahora, esta secuela llega con la intención de pulir la fórmula, ofrecer una experiencia más sólida y demostrar que aún hay espacio para el diseño de puzles a la vieja usanza.

Un homenaje a los clásicos

La historia aquí es casi una excusa, y Lumo 2 lo asume con naturalidad. Lo importante no es seguir una trama, sino perderse en un enorme laberinto de habitaciones conectadas. Cada estancia es un desafío diferente, un pequeño rompecabezas donde hay que activar mecanismos, mover objetos o realizar saltos precisos para poder avanzar. Es un planteamiento que recuerda a joyas como Knight Lore o Head Over Heels, auténticos pioneros del género isométrico.

Esa herencia británica se nota en cada esquina tanto en el humor como en el ritmo pausado, la sensación de descubrimiento y la idea de que el jugador debe aprender por sí mismo, sin ayudas ni tutoriales invasivos. Lumo 2 confía en la inteligencia del jugador, y eso es algo que se agradece en un panorama donde la mayoría de títulos guían la experiencia paso a paso. Aquí, equivocarse es parte del viaje, y resolver un puzle por pura deducción deja un gran sabor de boca.

Mejoras jugables, pero conservando vicios

El gran acierto de Lumo 2 está en haber entendido las críticas al original. Los controles son ahora más precisos, los saltos responden mejor y la cámara (que sigue siendo isométrica) se comporta con mayor suavidad. En un juego donde la precisión es fundamental, estos ajustes marcan la diferencia. Pero no es oro todo lo que reluce. Y es que, en algunas fases, como las partes que se desarrollan como si de un plataformas en 2D se tratara, el control es muy incómodo, y en muchas ocasiones fallaremos por culpa del propio juego, y no nuestra.

Las habitaciones presentan una buena variedad de desafíos, desde plataformas a secciones de disparos. Además, el ritmo de progresión está mucho más equilibrado. Ya no hay esos picos de dificultad tan marcados del primer Lumo y, en su lugar, hay una curva más natural que premia la experimentación y el aprendizaje.

Otro aspecto muy destacable es cómo recompensa la curiosidad. El juego invita constantemente a explorar, a volver sobre nuestros pasos y a descubrir rutas ocultas o pequeños secretos. No es un título que te lleve de la mano, aquí hay que observar, probar y pensar. Esa libertad, combinada con un diseño de niveles más coherente, da como resultado una experiencia más satisfactoria y menos frustrante. Hay un toque metroidvania que le sienta muy bien al título.

Un apartado visual sencillo pero encantador

Gráficamente, Lumo 2 apuesta por la sencillez, aunque sumamente bonita. Los escenarios lucen un estilo limpio y colorido, con un aire de maqueta digital que encaja perfectamente con su tono retro. La iluminación y las sombras aportan una agradable sensación de profundidad, mientras que las animaciones son suaves y expresivas.

No es un título que vaya a deslumbrar técnicamente, pero cumple con nota su propósito. En Xbox Series X se mantiene estable en todo momento, algo que hay que agradecer, debido a la precisión que requieren algunas de las fases que componen el título.

El apartado sonoro sigue la misma filosofía. Y es que este es bastante simple, pero cumple con su propósito. Las melodías combinan sintetizadores y sonidos electrónicos, evocando de forma clara las raíces ochenteras del género. No hay grandes temas memorables, pero el conjunto crea una atmósfera envolvente y coherente con la estética visual. Los efectos, por su parte, son precisos y ayudan a dar vida a cada objeto o mecanismo del escenario, reforzando esa sensación de estar dentro de un gran rompecabezas.

Conclusiones

Lumo 2 no es un juego para todo el mundo, y eso está bien. Quien busque acción directa o una historia profunda probablemente no encuentre aquí lo que quiere. Pero para quienes disfrutan del reto pausado, de los puzles bien pensados y de las experiencias que apelan a la observación más que a la prisa, este título es una pequeña joya.

Hay momentos de frustración, sobre todo cuando algún salto exige precisión milimétrica o cuando la perspectiva juega en nuestra contra, pero el diseño general está lo bastante bien medido como para que esas situaciones no empañen el resultado final. Lumo 2 es un juego que pide calma, concentración y curiosidad. Y cuando logras resolver una sala tras varios intentos, la recompensa es pura satisfacción.

Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage

SEGA nos devuelve tras casi dos décadas el mítico Virtua Fighter 5 con un lavado de cara gráfico y nuevos modos

A principios de los años 90 los videojuegos el mundo de los videojuegos comenzaba a experimentar con los polígonos tras más de una década donde reinaba el pixel tanto en consolas como en recreativas. Apenas un par de títulos se habían atrevido a jugar con las tres dimensiones y fueron los locos de SEGA los que se atrevieron, nada más y nada menos, que con un título de lucha. En 1993 llegó la primera versión de Virtua Fighter para recreativas de la mano del gran Yu Suzuki. Y, tras casi 20 años, el mítico Virtua Fighter 5 regresa a consolas Xbox.

Esta nueva versión nos trae como principal novedad un nuevo modo de juego llamado World Stage y un nuevo personaje jugable (de pago, eso sí), Dural, el final boss del modo arcade. En el modo World Stage dónde lucharemos de forma consecutiva un gran número de combates contra la CPU. A medida que ganemos partidas, subiremos de rango y desbloquearemos nuevas fases. El principal reclamo es completar diferentes tipos de objetivos e ir avanzando por las diferentes fases para desbloquear todo tipo de objetos cosméticos para personalizar nuestro personaje.

Aunque ahí no acaba todo, Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage cuenta también con un nuevo lavado de cara gráfico de nueva generación. Claramente no está al nivel de que la competencia ofrece a día de hoy, pero el resultado es más que sorprendente. Una buena forma de ponernos los dientes largos de cara a la llega del espero Virtua Fighter 6.

Regreso al pasado

Una vez nos ponemos a los manos es importante remarcar que el espíritu de Virtua Fighter sigue tan vivo como siempre. Mecánicamente contamos con tan solo tres botones para realizar todos y cada unos de los movimientos, que no son precisamente pocos, de todos los personajes: patada, puñetazo y guardia.

El sistema de combos y movimientos se basa de hacer pequeñas variaciones a través de las direcciones del pad o el stick. Para quien necesite una mano en ese aspecto es muy recomendable, por no decir obligatorio, dejarse caer por el modo entrenamiento. Pero cabe decir que no hace falta volverse loco para disfrutar de este título, ya que no hace falta dominar el juego como un pro para poder disfrutar de él.

A nivel de ritmo sí que es verdad que Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage puede notarse algo tosco comparado con los juegos de lucha en 3D que han salido a lo largo de los últimos años. Pero dudo mucho que un recién llegado al género quiera iniciarse en el género con este juego o, al menos, yo nunca se lo recomendaría.

Un futuro esperanzador

Una de las novedades más importantes de estas nueva reedición de Virtual Fighter 5 es que cuenta con Rollback netode y crossplay. Ya sabréis que en esta casa llevamos mucho tiempo dando la lata con esta infraestructura online, pero si no lo sabéis, os recomiendo pasaros por este enlace dónde desgranamos la importancia de no jugar con latencia en los juegos de lucha.

Aunque no quiero despedir este análisis sin sacar a la luz las sombras que también tiene este Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage. Por un lado, se celebra que el juego base llegue a un precio de 19,99€, un precio más que justo para disfrutar e unas buenas partidas y abrazar la nostalgia durante unas cuantas horas. Pero, por otro lado, cabe decir que la versión completa del 30 aniversario viene a un precio de 49,99€ y trae todo el contenido que se puede conseguir a través de los varios DLC. Ese contenido descargable se secciona entre varios paquetes que incluyen colaboraciones con otras franquicias como Yakuza o Tekken, el nuevo personaje jugable Dural y skins de todos los personajes donde estacan los modelados poligonales de las primeras entregas de la saga.

En definitiva, si ya peináis alguna cana y sois unos amantes de esta mítica franquicia, la compra de este Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage es casi obligatoria. Eso sí, ya depende de vosotros mismos a por cuál de las dos versiones queréis ir.

Arc Raiders, un shooter de extracción que no acaba de exprimir todo su potencial como nos hubiera gustado.

Arc Raiders, desarrollado y publicado por Embark Studios, se presenta como una apuesta interesante dentro del género de los shooters de extracción PvPvE. Disponible en Xbox Series, PC y PlayStation 5, analizamos aquí su versión para Series X, que además es compatible con Play Anywhere, permitiendo una experiencia multiplataforma sin fisuras. Con una ambientación retrofuturista y una jugabilidad centrada en la tensión y el riesgo, el título busca posicionarse en un espacio dominado por propuestas como Escape from Tarkov, The Division: Dark Zone o Hunt: Showdown.

Ambientación, narrativa y estructura de su mundo.

La historia de Arc Raiders nos sitúa en una Tierra postapocalíptica, asediada por una amenaza mecánica conocida como ARC. La humanidad se ha refugiado bajo tierra, mientras los Raiders —exploradores armados— se aventuran a la superficie para recolectar recursos y enfrentarse a las máquinas. Esta premisa, aunque potente, se desarrolla de forma mínima y fragmentada. No hay cinemáticas ni diálogos elaborados; la narrativa se descubre a través de misiones y detalles ambientales, siguiendo una lógica similar a la de Escape from Tarkov, donde el lore se construye a través del entorno y los objetos.

A diferencia de títulos como The Division, que ofrecen zonas sociales como la Base de Operaciones o los asentamientos, Arc Raiders carece de una ciudad o hub jugable. Toda la gestión de equipo, talentos y comercio se realiza mediante menús estáticos, lo que reduce la inmersión y refuerza la sensación de estar ante un producto AA. Esta ausencia de espacio social limita la conexión emocional con el mundo del juego y con otros jugadores. La inmnersión que consigue con su jugabilidad, la perdemos en los menús.

Jugabilidad, combate y diseño PvPvE.

El núcleo jugable de Arc Raiders se basa en el concepto de shooter de extracción en tercera persona, con enfrentamientos tanto contra la IA como contra otros jugadores. Las partidas se desarrollan en mapas compartidos, donde escuadras de tres jugadores —formadas por matchmaking o amigos— deben recolectar loot y extraerse con vida. La tensión es constante: morir implica perder todo el equipo obtenido asi como el equipado, lo que convierte cada incursión en una apuesta de alto riesgo.

Este diseño recuerda a la Dark Zone de The Division, donde el botín solo se aseguraba tras una extracción exitosa, y a la filosofía de Hunt: Showdown, donde el mapa es compartido por múltiples escuadras y la amenaza puede venir tanto de la IA como de otros jugadores. En Arc Raiders, la tasa de fracaso ronda el 30-40%, lo que refleja la dificultad del sistema y la agresividad de los enemigos.

El gunplay está muy bien trabajado. El combate en tercera persona es fluido, con animaciones pulidas, buena respuesta de las armas y una variedad de armamento que permite adaptar el estilo de juego. La IA es competente, con patrones agresivos y capacidad de flanqueo, lo que obliga a mantener la atención en todo momento. El sistema de comunicación por voz por proximidad añade una capa social interesante, permitiendo alianzas espontáneas o traiciones inesperadas, como ocurre en DayZ o Rust.

Crafteo, progresión y gestión de equipo.

Uno de los pilares del juego es el crafteo de piezas y equipo. Los jugadores deben recolectar materiales durante las incursiones para fabricar armas, mejoras y objetos útiles. Este sistema es profundo y exigente, y recuerda al de Escape from Tarkov, donde la gestión del inventario y la economía son tan importantes como el combate.

El looteo es abundante, pero también arriesgado. Si no se completa la extracción, todo el botín se pierde, lo que obliga a tomar decisiones tácticas constantemente. ¿Vale la pena arriesgarse por ese rifle legendario o es mejor extraerse con recursos básicos? Esta dinámica de “todo o nada” es el corazón del género, y Arc Raiders la ejecuta con crudeza.

La progresión se articula mediante un árbol de talentos, niveles y proyectos. Estos permiten desbloquear nuevas habilidades, armas y mejoras, aportando profundidad estratégica. Sin embargo, el avance puede sentirse lento debido a la alta tasa de fracaso y la exigencia del sistema de crafteo. A diferencia de The Division, donde el progreso es más lineal y accesible, aquí se requiere paciencia y planificación.

Dificultad en solitario y diseño cooperativo.

Uno de los aspectos más críticos del juego es su elevada dificultad para jugadores solitarios. Aunque el matchmaking permite formar escuadras, jugar sin compañeros conocidos puede ser frustrante. La IA está diseñada para enfrentamientos grupales, y la falta de apoyo limita las posibilidades de supervivencia. Esta situación es similar a lo que ocurre en Hunt: Showdown, donde el juego favorece claramente el juego en equipo. La ausencia de un modo adaptado para un solo jugador es una oportunidad perdida. Un sistema de dificultad escalable o bots aliados podría mejorar la experiencia para quienes prefieren jugar en solitario.

Apartado técnico y rendimiento.

Gráficamente, Arc Raiders es muy correcto. Construido sobre Unreal Engine 5, ofrece una iluminación volumétrica, texturas detalladas y una ambientación coherente. El juego corre a 60 fps estables en Xbox Series X, sin opciones de calidad o rendimiento, lo que garantiza una experiencia fluida y consistente. Esta decisión técnica es acertada, especialmente en un título donde la precisión y la estabilidad son clave.

Los efectos visuales durante los combates, las explosiones y los entornos dinámicos están bien logrados, aunque no alcanzan el nivel de los triple A más punteros. Aun así, el rendimiento sólido compensa cualquier carencia visual.

Conclusión

Arc Raiders es una propuesta ambiciosa dentro del género de los shooters de extracción. Su jugabilidad sólida, su ambientación cuidada y su sistema de riesgo-recompensa lo convierten en una experiencia intensa y desafiante. Sin embargo, la falta de narrativa, la repetitividad y la ausencia de una base jugable limitan su potencial.

Es un título que brilla en lo técnico y lo jugable, pero que necesita evolucionar en profundidad y contenido para consolidarse como un referente. Ideal para quienes buscan acción cooperativa y tensión constante, pero menos recomendable para quienes valoran la historia y la exploración narrativa.