La búsqueda del equilibrio en la prehistoria

De la mano de BingoBell y la editora Microids, nos llega una aventura clásica de mundo semi abierto con mucho colorido; de trata de Kaku: Ancient Seal. Una propuesta que mezcla varios generos, con un diseño artístico bonito, mucho por explorar en su vasto mundo y personajes caricaturescos.

La historia nos sitúa en el mundo prehistórico, con un protagonista muy animado, un cerdo que vuela y habla en plan Pokémon y el típico sabio que nos va guiando en el camino. Nuestra misión simplemente era atrapar al cerdito que vuela, pero tendremos que restablecer el equilibrio en el mundo por culpa de un antiguo mal.

Una corrupción que en cierto modo me ha recordado a Kena, aunque de un modo más modesto y que tendremos que combatir mientras buscamos las 4 llaves elementales repartidas por 4 zonas bien diferentes. Todo con un humor inocente y unos personajes entrañables.

Diseño artístico y entorno audiovisual

Kaku: Ancient Seal es muy agradable a la vista, con un diseño estilo Pixar (aunque modesto) y un mundo precioso que hará que te pares a hacer capturas de pantalla a casa rato. Una paleta de colores suave, a la par que destacan otros elementos con colores chillones para que sepas que puedes interactuar con ellos.

Un mundo dividido en varias zonas con ambientaciones diferentes, o biomas como se les suele llamar ahora, que harán la exploración mucho más interesante. Por tanto, no es un mundo abierto conectado, sino 5 grandes zonas con sus correspondientes mazmorras.

Estas mazmorras son accesibles gracias a Piggy, nuestro cerdito volador, que puede abrir portales dimensionales. Pero sin las llaves repartidas por el mundo no podremos acceder a los tesoros que esconden. Así, el juego invita a explorar los rincones de las zonas amen de la misión principal y por supuesto, la belleza visual con la que están pintados.

Mecánicas de juego

Kaku: Ancient Seal es en general un juego de aventuras, con un desplazamiento con plataformeo en zonas amplias aunque acotadas. Tiene mecánicas “souls-lite” en el combate, adoptando características del sug-género tan popular, pero solamente en lo que es la lucha. Sin embargo, no hay hogueras como tales, sino puntos de guardado y los enemigos reaparecen aunque no muramos.

Kaku, el protagonista, puede ejecutar ataques ligeros y ataques con el otro brazo que porta una especie de escudo muñequera, el cual aturde a los enemigos y les resta resistencia. También nosotros tenemos una barra de stamina, pero solo se gasta esquivando y corriendo, por lo que podemos machacar el botón de golpear hasta el infinito.

También podemos ejecutar saltos y doble saltos, acompañados de un dash hacia delante en el aire para llegar a zonas más alejadas, sin contar con una habilidad del cerdito Piggy, que nos puede llevar en vuelo mucho más lejos. Entre las otras habilidades de Piggy están las de crear una burbuja de protección, un portal dimensional para teletransportarnos y un disfraz para pasar inadvertidos en los campamentos no-amigos.

En definitiva, la exploración se basa en seguir la misión principal, a parte de alguna que otra secundaria de otros personajes y el recurso extra de investigar en las mazmorras de los biomas una vez conseguimos las llaves. Hay también algunas torres de cristal repartidas por los mapas que podremos desbloquear resolviendo puzzles sencillos en su base.

Progreso del personaje

Kaku tiene un sistema de árbol de habilidades, donde podemos desbloquear movimientos y combos, encontrar distintas armas y armaduras, tirachinas y piedras que potencian el equipo. Además, en el juego hay un sistema de recolección de recursos para desbloquear habilidades, crear curaciones y potenciadores de la resistencia, etc, y proyectiles especiales para el tirachinas.

Sí, no lo he mencionado antes, pero además del arma a melé y el escudo, tenemos a nuestra disposición un tirachinas para atacar a distancia con munición (piedras). Las normales son infinitas, y en el árbol de habilidades podemos adquirir diferentes movimientos especiales con este gadget. Luego tenemos otras piedras, de fuego, hielo y veneno que harán otros tipos de daño y podrán derrotar a ciertos enemigos y obstáculos.

Podemos mejorar los campamentos en general para craftear mejor y poder llevar más munición e incrementar el daño, así como otras características del personaje, pero no en plan estadísticas como los RPG. Todo esto se hace con la moneda del juego, que se obtiene derrotando enemigos y cumpliendo misiones y encargos.

Por último, Kaku tiene una habilidad especial que se recarga terminando con enemigos que, al activarla, nos transformamos como en una especie de guerrero o dios legendario, portando una lanza con electricidad que hace “daño masivo” y es lo único que acaba con las garras de la corrupción que hay repartidas por el mundo y bloquean el acceso a otras zonas o tesoros.

Cuanta diversión hay en Kaku: Ancient Seal

El título es muy entretenido, dinámico y rápido de explorar, lo que nos dará bastantes horas de diversión si nos gusta investigar todas las zonas y conseguir las recompensas de las mazmorras para mejorar nuestra resistencia, vida y poder. La única pega que tiene es el combate, que se hace muy pesado y lento.

Al adquirir las características souls-lite, el estudio lo ha hecho de forma demasiado clásica, en modo tanque, y puede chocar con el concepto de juego de aventuras que quiere destilar Kaku. Las esquivas y ataques se sienten toscos, como el fijado a los enemigos y siendo sincero, podemos combatir solo con el tirachinas para hacerlo más fácil.

Hay distintos jefes finales, pero los combates se hacen repetitivos y muy largos, pesados e interminables, cortando en seco la diversión de explorar y resolver enigmas, descubrir zonas ocultas y demás. Quizás un combate más dinámico y enfocado en un estilo hack and slash suave le hubiera venido mucho mejor.

Conclusión

Si queréis saber mi opinión sincera, Kaku: Ancient Seal es un título muy disfrutable pese a la pega del combate, muy simpático en su narrativa, que pese a no inventar nada es entretenido y ameno. No es un videojuego excesivamente largo y no muy complicado de vencer, aunque me hubiera gustado que pudieramos nadar para hacerlo más orgánico.

Por el precio de lanzamiento merece la pena si buscas algo light en exploración, progreso y combate, sin altas pretensiones más que entretener al jugador con simpatía, pese a parecer algo infantil. Creo que puede ser un buen punto de entrada a los más peques de la casa al género de aventuras si adaptamos la dificultad.

Muchas gracias a Meridiem Games por la clave de acceso a Kaku: Ancient Seal, que tenéis disponible por 29,99€ en Xbox Series X|S, Playstation 5 y PC. Está disponible en formato físico para Playstation 5.

Os puede interesar trambién: Análisis de Digimon Story: Time Stranger

Un viaje entre líneas temporales

Hay sagas que viven entre generaciones. Para muchos, Digimon no es solo una franquicia, sino un recuerdo: tardes frente al televisor viendo a Agumon y compañía salvar el Mundo Digital mientras uno soñaba con tener su propio Digivice. Esa nostalgia pesa —y Bandai Namco lo sabe—; puesto que recientemente estamos recibiendo una nueva entrega de la saga Story, así como una nueva serie de animación que pretenden encandilar de nuevo a los fans de la franquicia. Esa nueva entrega no es otra que Digimon Story: Time Stranger, la cual no se conforma solamente con mirar atrás. Quiere ser un paso adelante dentro de la saga Story, una nueva línea temporal donde pasado, presente y futuro se entrelazan en un JRPG que respira cariño por su universo… aunque no siempre mantenga el ritmo que promete.

Este no es un simple “más de lo mismo”. Es un JRPG que se macera a fuego lento, que abraza su herencia pero busca abrir su propio portal. No siempre lo consigue, pero cuando lo hace, recuerda por qué seguimos aquí, dos décadas después, esperando escuchar un “Digivolve!” que todavía nos emocione.

Una historia entre tiempos rotos

El hilo narrativo de Time Stranger entrelaza una buena cantidad de misterios por desentrañar, el cual arranca con una anomalía temporal que amenaza con fragmentar el Mundo Digital. Este nos llevará a distintas localizaciones como el Mundo Digital, Playa Abismo, Cosmos Ardiente, Chill Cosmic y Coliseo Paraíso, cuyos entornos están ambientados en ciudades de Tokio como Shinjuku, Akihabara, entre otras zonas icónicas. En él, encarnaremos a un joven agente de la organización ADAMAS —un cuerpo de investigación temporal— para rastrear y estabilizar los bucles que distorsionan la realidad.

Aunque la premisa suene a ciencia ficción pura, el guion se reserva espacio para lo emocional: los recuerdos alterados, las amistades perdidas, así como algunas decisiones clave que cambiarán el curso de los acontecimientos mientras conocemos personajes muy interesantes. La trama en sí se presenta con un ritmo trepidante, aunque al poco rato cae llegando a hacerse un tanto cuesta arriba. No obstante, esta alcanza su zenit en un punto clave de la historia y ahí es cuando realmente se torna tan atractiva que no podremos despegarnos de la pantalla hasta que veamos los créditos.

Lo interesante está en cómo el juego integra la idea del tiempo en su estructura. Hay misiones donde los efectos de una elección se sienten capítulos después; conversaciones que cambian en función de tu afinidad con ciertos Digimon; e incluso pequeños detalles en el entorno que se transforman al reparar una fractura temporal.

Time Stranger no es una historia coral, pero sí una historia viva, donde las consecuencias importan y el pasado siempre está acechando. Además, resulta un entrañable homenaje a las temporadas más clásicas de la serie de televisión, puesto que encontramos algún que otro momento que tocará la fibra de todas aquellas personas que se consideren aficionadas a ella.

No es la historia más original del género, pero sí está contada con ese tono melancólico que siempre distinguió a Digimon Story. Hay conversaciones íntimas, pequeños giros, y momentos donde la nostalgia y la pérdida se sienten más adultas que nunca. A veces se alarga más de lo necesario, sí, pero nunca pierde su humanidad.

Dónde el tiempo se detiene… y el combate brilla

La verdadera evolución de Time Stranger está en su jugabilidad. Esta mantiene la base de los JRPG con estructura táctica tradicional, así como la fórmula que ha ido siguiendo la saga hasta ahora. Sin embargo, esta nueva entrega introduce un ritmo más táctico y dinámico.

El sistema de combate sigue siendo por turnos, pero más ágil y pulido que nunca. Esto es gracias a que los enemigos ya no aparecen de la nada, sino que se mueven por el mapa, lo que te permite decidir cuándo luchar o esquivar. El equilibrio entre exploración y lucha está más ajustado, y los jefes presentan patrones que exigen adaptarse, y no “ir en automático”. Los turnos son más dinámicos y su planteamiento se basa en tres Digimon activos por equipo, con posibilidad de alternar con tres de reserva. Todo este conjunto confecciona una orquesta muy bien conjuntada que presenta una jugabilidad muy bien llevada, la cual comporta que las horas pasen volando.

Por otra parte, la interfaz es más limpia y muestra de un vistazo el orden de los turnos, las ventajas elementales y el estado de cada criatura. Pero lo que realmente marca la diferencia es la Gestión de Sincronía Temporal: un nuevo medidor que, al llenarse, permite ejecutar ataques combinados o alterar el orden de turnos, desatando combos bastante espectaculares. Esta mecánica obliga a pensar más allá del daño inmediato, ya que nos hace falta saber cuándo gastar o conservar sincronía. Esta faceta añade una capa de estrategia que transforma cada enfrentamiento en una danza planificada.

Evolución, crianza y estrategia

Una vez dominado el sistema de combate, llega el momento de comprobar cuánto tiene que ofrecer el título más allá de su campaña principal.

El sistema de evolución vuelve más profundo que nunca. Ya no se trata solo de subir niveles: cada Digimon puede especializarse en distintas ramas según sus estadísticas, afinidad y recuerdos adquiridos. Algunas rutas solo se desbloquean tras completar eventos concretos o cumplir condiciones específicas (como el tiempo de convivencia o el número de batallas compartidas).

Por su parte, la crianza de Digimon también gana profundidad. El sistema de escaneo, evolución y fusión ofrece muchas combinaciones, con rutas alternativas, evoluciones especiales y bonificaciones por afinidad. Es ese tipo de mecánica que te hace pensar “una batalla más y lo dejo”… y de repente son las tres de la mañana. Asimismo, este sistema también atesora un tono casi filosófico: evolucionar significa también perder parte de lo aprendido, y cada decisión implica renunciar a algo. Esa tensión entre avance y sacrificio convierte el proceso en algo más significativo que una simple mecánica.

Cada Digimon posee habilidades únicas, y la posibilidad de encadenar ataques en función del tipo de vínculo genera sinergias muy satisfactorias. Por ello, formar un equipo equilibrado y flexible es clave, especialmente en el postgame.

Duración, modos de juego y contenido

Aquí Time Stranger demuestra ambición. La historia principal ronda las 40 horas, pero completar todo —coleccionables, misiones secundarias y entrenamiento— puede fácilmente doblar esa cifra. No obstante, el título cuenta con un buen abanico de opciones que amplían la experiencia más allá de la historia principal. Entre ellas encontramos el Camino del Tamer, un guiño al primer Cyber Sleuth que sirve como repaso de las batallas más icónicas, y además nos ofrece recompensas cosméticas.

Otro modo que también nos encontramos es Rutas de Entrenamiento, una especie de tablero de desafíos donde cada nodo plantea condiciones únicas. Es un añadido que invita a experimentar con equipos diferentes y estrategias nuevas, algo que da vida al postgame.

Por último, el sistema de Maestría recompensa el uso prolongado de cada Digimon con fondos de perfil, iconos y desbloqueables extra. No cambia la experiencia central, pero da motivos para seguir jugando. Como también nos permitirá seguir jugando el modo online. Este, por su parte, cumple: sin pretensiones competitivas, pero ideal para medir fuerzas o simplemente mostrar al mundo al equipo que tanto te costó perfeccionar.

Un mundo digital con luces y sombras

En lo técnico, el juego no busca competir con los colosos del JRPG moderno. Apuesta por una dirección artística coherente con el legado de la saga: colores vibrantes, modelados de estilo anime y efectos digitales que evocan el tránsito entre mundos.

Los Digimon lucen espectaculares, sus modelados están recreados con mimo, las animaciones de combate son fluidas y las digievoluciones vuelven a ser un momento de puro deleite nostálgico. Sin embargo, los entornos —especialmente las mazmorras— repiten los vicios de la franquicia: pasillos genéricos, texturas planas y una sensación de reciclaje que resta frescura al conjunto.

Pese a ello, los efectos lumínicos, los planos urbanos de Tokio y los fragmentos de mundo distorsionado ofrecen momentos visualmente memorables. En las mejores secuencias, la mezcla de lo humano y lo digital genera una atmósfera entre cyberpunk y espiritual que recuerda por qué Digimon es algo más que “el primo tecnológico de Pokémon”. De hecho, hoy por hoy puede plantarle cara sin complejos, incluso poner a su rival en un verdadero aprieto.

Sonido y doblaje: pura sintonía emocional

El apartado sonoro es uno de los pilares del juego. La banda sonora, firmada por Masafumi Takada, combina sintetizadores, percusión electrónica y cuerdas suaves en un equilibrio perfecto entre lo emocional y lo futurista. Cada tema acompaña sin imponerse: melancólico en los momentos narrativos, energético en combate y luminoso durante la exploración.

Los efectos sonoros mantienen la identidad digital que caracteriza a la serie, cuentan con una buena calidad y simulan en todo momento la inmersión que se espera de cada momento. Con ello, refuerzan plenamente el apartado y consolida un resultado acorde con el resto de características del juego.

Por último, Time Stranger nos llega con doblaje tanto en japonés como en inglés, ambos de notable calidad, aunque echamos de menos una localización a la lengua de Cervantes. Eso sí, los textos sí se encuentran completamente localizados al castellano, con una traducción cuidada y natural

Conclusión

Digimon Story: Time Stranger no pretende reinventar la rueda, pero sí refinarla. Es un juego que entiende su legado y lo trabaja con respeto, siendo profundamente humano y honrando la franquicia que en su día encandiló a miles de niños. Su historia conmueve a pesar de tomarse su tiempo para consolidar su ritmo, su sistema de combate engancha más que nunca, y su corazón sigue latiendo con fuerza, incluso cuando el diseño de sus mazmorras no acompaña del todo.

Para los fans, es una entrega que se siente como volver a casa; para los nuevos jugadores, es una puerta amable hacia un mundo que combina emoción, estrategia y cariño. De este modo, en un panorama donde muchos JRPG apuestan por la grandilocuencia, Time Stranger gana por su sinceridad: no intenta ser más de lo que es, y lo que hace, lo hace con alma.

Xbox Game Studios publica lo nuevo de Double Fine. Una aventura de puzles vivida por un faro y un pajáro en un futuro postapocalíptico.

Cuando decimos Double Fine nos sale Tim Schafer casi de corrido. El carismático líder está presente en todos los proyectos de la compañía, pero no está sólo (y gracias a Dios). Nunca voy ha dejar de recomendar (porque obligar me parece excesivo) el documental que hicieron del desarrollo de Psychonauts 2: Psycodyssey . Ahí, en una serie en la que pasa todo (TODO) lo que puede pasar un desarrollo, conocemos a un equipo con una creatividad que se le cae de los bolsillos. De hecho, cada cierto tiempo paran dos semanas la producción para realizar el Amnesia Fortnight: una Jam para desarrollar nuevos conceptos que tienen en sus rebosantes cabezas.

Todo esto me ha venido a la cabeza una vez terminado Keeper. Este derroche de creatividad tiene que venir de un lugar donde se juntan personas que necesitan dar salida a esa olla a presión llena de ideas que son sus cabezas. Pero lo cierto es que todo comienza, según su director Lee Petty, en uno de sus solitarios paseos campestres que se daban en  pandemia. Esta vez el bueno de Tim sólo ha acompañado a su equipo, dejando de lado su humor característico.

El Camino.

La melancolía de la soledad y las relaciones en el apocalípsis es lo que marca el principio en Keeper. Un Ave perseguida por una plaga de bichos mal-rolleros despierta a un viejo faro abandonado, que tras salvar al pájaro se deshace de sus raíces de hormigón y consigue otras que forman unas patas con las que moverse. Ya en estos primeros pasos vemos que nos tenemos que meter en el hormigón del personaje. No sabemos andar, el faro se tambalea, se cae y la primera mecánica es aprender a mantener el equilibrio. Adecuarnos a un nuevo escenario, como en 2020. El tutorial es mínimo , no hay narrador, todo es tan nuevo y extraño para nosotros como para el protagonista.

Comienza un walking simulator que nos presenta un mundo con alguna presencia humana, sucedimos hace mucho. El mundo ha mutado a seres que mezclan lo inerte (piedras y mecanismos) con la vida animal y vegetal. La luz que somos alumbra capullos que florecen bajo nuestro foco y portamos color a una zona desanimada. Los torpes y lentos primeros pasos son para enseñarnos que hemos venido a salvar este mundo de unas raíces oscuras que lo oprimen.

Hacia Arriba.

El faro, con ayuda de Ramita (el pájaro de 4 patas y dos alas que hemos salvado) emprenden un viaje que les llevará a lo alto de la montaña. Algo está perturbando la vida de la isla y ese ojo gigante que habita en la cumbre lo debe de saber, o debe de pagar por ello o… no se sabe. Todo se deduce, la historia se cuenta viviéndola y sintiéndola. Podemos interactuar con otros seres, pero por muy expresivo que sea el faro, no tiene boca y acaba de nacer como quien dice. Keeper carece de líneas de diálogo o cualquier texto que te diga qué es lo que está pasando. Las acciones, gestos o entornos que atraviesan nuestros personajes cuentan el relato a las mil maravillas. Sólo se puede ahondar en el lore a través de la descripción de los logros conseguidos. Un agente externo aportando información a la trama. Ganas en sabiduría pero lo interesante es lo que pasa en la pantalla, lo que experimentamos a través del faro y su colega.

Esto se trata de subir una montaña y Keeper se lo toma muy al pie de la letra en todos los aspectos. La historia es un in crescendo constante, presentando seres cada vez más complejos. Mostrándote una relación entre el faro y Ramita muy emotiva. La historia de una unión por necesidad llevada a querer permanecer unidos. La propia ave tiene su propia historia que se va desarrollando de manera sutil pero efectista, y el faro la tiene en cuenta. Todo sube: el mundo desolado se va poblando, los colores van tomando intensidad y la progresión del ritmo está tan bien llevado que da miedo que tropiece en algún momento.

Sin Descanso.

Lo hace, hay altibajos pero sólo para recordarnos que uno se puede levantar, sacudirse el polvo y si no se puede seguir de la misma manera, se prueba otra. Cuando hemos entendido cómo puede ser el juego, cuando entendemos la resolución de puzles y el movimiento del faro, siempre hay algo que resquebraja la pared, para añadir una nueva capa. Cuando se me asemejaba, por poner un ejemplo, a Inside, o Little Nightmares, se cuela una mecánica o parte de la historia que cambia la percepción, el enfoque y el juego se vuelve otro. En algunas ocasiones es un movimiento en las mecánicas muy fino, en otras cambia el cuento para siempre. Tropezar para recuperarse con una mentalidad diferente.

Keeper no deja de ser un juego de puzles, casi todos mecánicos donde la luz de nuestro foco y Ramita como las inexistentes manos del faro son los recursos.  Cada fase los retuerce la historia para que el mismo resultado se obtenga de formas distintas y viceversa. Puede parecer confuso o no, pero estos cambios de mecánicas en cada desafío están tan ligados, tan bien cosidos con el relato que cualquier idea que pueda describir es spoiler. Y para nada mi intención es privar a nadie de experimentar este juego por cuenta propia.

Hacia la luz.

Lee Petty ha sido trabajador de Double Fine desde hace 20 años y ha desempeñado el rol de Director de Arte en varios proyectos. Keeper tiene tiene en su diseño esa firma de la compañía: los colores psicodélicos o las líneas retorcidas de los fondos. Aquí el paisaje se desarrolla con pinceladas visibles y texturas propias del impresionismo mezclados con diseños más marcados por el “surrealismo de  Max Ernst y Salvador Dalí” de los personajes. La luz es un elemento primordial, no sólo el foco que tenemos en nuestra cara, si no porque es el elemento que nos concentra a todos a su alrededor y enmarca las emociones. Todo este diseño crea un mundo muy acorde con la historia, con unos fondos y personajes descendientes de los sueños de los vanguardistas que se van acentuando en forma y color a medida que nos acercamos al final.

Con la música pasa lo mismo. Comienza suave y experimental, con sonidos muy electrónicos y acompaña en nuestro viaje pasando por muchas fases, pasando por temas más folk, clásica épica y volviendo a la electrónica, pero más comercial. Todo este batiburrillo se une a la perfección con lo que se está viendo y forma parte de lo que se está sintiendo en cada momento. Primero extrañeza al llegar al mundo, luego conexión, tensión… todo cuadra.

Conclusiones

El derroche de creatividad que nace de Double Fine va más allá de lo escrito por Tim Schafer. Lejos del humor marca de la casa, Keeper muestra una historia que toca directamente a emociones indescriptibles a través de la palabra, sentimientos que con un diálogo desaparecen según se pasa a la siguiente frase aquí calan y se van amontonando a medida que el juego crece.

Este crecimiento no se queda en la historia. Lo que consigue el equipo de Keeper es unir todos los conceptos que crean un videojuego y hacerlos uno. No puedo explicar las mecánicas de los puzles sin contar la historia y el diseño de personajes y entornos también guardan relación. Todo junto, revuelto y unido sube la montaña de la manita y alcanza cimas más allá de lo esperado en un juego de estas características. Todavía quedan huecos para la sorpresa y la ilusión en los videojuegos.

Little Nightmares 3 mantiene la esencia, pero no logra reinventarse del todo y tropieza con su ambigua jugabilidad.

Supermassive toma el relevo con respeto… y cautela.

Tras dos entregas desarrolladas por Tarsier Studios, la saga cambia de manos. Little Nightmares 3 nace en los estudios de Supermassive Games, conocidos por Until Dawn y The Dark Pictures Anthology. El desarrollador británico asume el reto de continuar una franquicia que ha brillado por su atmósfera inquietante y su narrativa visual. El resultado es una tercera parte que sí transmite lo que es un “Little Nightmare”, pero lo hace con una fórmula que empieza a mostrar signos de desgaste.

La estética sigue siendo grotesca, infantil y perturbadora. El diseño de enemigos, escenarios y protagonistas mantiene ese equilibrio entre lo adorable y lo macabro. Sin embargo, la falta de innovación mecánica y narrativa hace que el cambio de estudio se note más en lo que no se ha hecho que en lo que se ha logrado.

Historia: una huida sin palabras, pero con peso emocional.

En Little Nightmares 3 controlamos a Low y Alone, dos niños atrapados en un mundo de pesadilla llamado Nowhere. Como es tradición en la saga, no hay diálogos ni textos explicativos: todo se cuenta a través de imágenes, gestos y ambientación. La narrativa es ambiental, fragmentada y como estamos acostumbrados totalmente abierta a interpretación.

La historia se desarrolla en distintos escenarios conectados por un espejo mágico, lo que permite transiciones entre mundos. Aunque este recurso puede parecer menos orgánico que en entregas anteriores, la progresión sigue siendo coherente con el tono onírico y surrealista de la franquicia. Cada nivel introduce nuevos enemigos y desafíos, y aunque el inicio puede parecer genérico, el juego gana fuerza conforme avanza.

El cooperativo como novedad, pero con ritmo irregular.

La gran novedad de esta entrega es el modo cooperativo online. Por primera vez, dos jugadores pueden recorrer juntos los escenarios, resolviendo puzles que requieren sincronización y colaboración. Low lleva un arco, Alone una llave inglesa, y ambos deben combinar sus habilidades para avanzar.

Una de las consecuencias más notables del modo cooperativo es la pérdida de tensión individual. En entregas anteriores, la soledad era parte esencial del terror: estar solo frente a lo desconocido amplificaba cada crujido, cada sombra, cada persecución. En Little Nightmares 3, al estar acompañado por otro jugador, o por una IA demasiado competente, la sensación de vulnerabilidad disminuye. Compartir el miedo lo diluye, y aunque hay momentos intensos, la presencia constante de un aliado convierte la pesadilla en una aventura compartida más que en una experiencia claustrofóbica. Esto no significa que el juego no tenga momentos inquietantes, pero sí que el tono cambia: el miedo se transforma en tensión cooperativa, y eso puede no ser lo que algunos jugadores esperaban de un Little Nightmare.

Jugabilidad a medio gas.

Por otro parte, el diseño de los puzles no siempre aprovecha las posibilidades ni las mecánicas al máximo. Muchos acertijos son simples, y en modo un jugador, la IA resuelve demasiado rápido los desafíos, lo que reduce la sensación de logro. Además, el ritmo del juego sufre altibajos: hay secciones intensas seguidas de momentos más planos. Las mecáncias nuevas introducidas, como planear con un paraguas, el arco o la llave inglesa de nuestros protagonistas se usan de manera muy puntual. Finalmente te quedas con la sensación de que Supermasive Games no ha sido valiente, y al pecar de conservador estas mecánicas no han sido explotadas del todo.

El sigilo, las persecuciones y los momentos de acción están presentes, pero no evolucionan respecto a entregas anteriores, evocando todo el rato a escenas y momentos que ya hemos vivido en las dos entregas anteriores. Por último, y no menos importante, el juego peca del uso de animaciones/transiciones a modo de trampilla de manera exagerada. Esto rompe mucho el ritmo, se tratan de checkpoints o puntos de carga enmascarados pero necesarios, aunque que como hemos reseñado rompen el ritmo demasiado a menudo. El juego dura unas 5-6 horas, y aunque eso no es un problema en sí, la falta de profundidad en las mecánicas hace que se sienta más corto de lo que realmente es.

Una pesadilla visual de alto nivel.

Aquí es donde Little Nightmares 3 brilla con fuerza. El apartado visual es espectacular, con escenarios detallados, iluminación brutal que te hace estar inmerso y animaciones fluidas. Cada nivel está diseñado para provocar incomodidad, curiosidad y miedo, sin recurrir a sustos baratos. En algunas fases puede pecar de demasiado oscuro. Si no dispones de una tele oled con HDR puede ser difícil avanzar al no ver determinados objetos o salidas necesarios para la aventura.

Los enemigos son grotescos y memorables, los entornos están cargados de simbolismo, y el juego logra transmitir emociones complejas solo con su arte. En plataformas como Xbox Series, PS5 y PC, el rendimiento es sólido, y en consolas portátiles como la Xbox Rog Ally X, la experiencia sigue siendo notable.

Una atmósfera sonora que envuelve y perturba.

El diseño sonoro acompaña perfectamente la estética del juego. La música ambiental, discreta pero efectiva, y los efectos de sonido como crujidos, susurros, paso refuerzan la tensión constante. Aunque no hay temas tan memorables como en entregas anteriores, el conjunto funciona muy bien para sumergir al jugador en la pesadilla.

Conclusión, una pesadilla compartida que no termina de evolucionar.

Little Nightmares 3 es una entrega que respeta profundamente el legado de la saga, pero que no se atreve a dar el salto hacia algo verdaderamente nuevo. Supermassive Games ha logrado mantener la atmósfera, el estilo visual y la narrativa ambiental que caracterizan a la franquicia, pero lo ha hecho con una fórmula que empieza a mostrar signos de agotamiento.

El modo cooperativo es un añadido que aplaudimos, aporta frescura y permite nuevas dinámicas, pero no se explota con la profundidad que podría. En solitario, la experiencia pierde parte de su encanto, y los puzles se sienten menos desafiantes. A nivel técnico, el juego es impecable, con gráficos y sonido de primer nivel, pero la jugabilidad y la historia no alcanzan el mismo nivel de excelencia que nos dejaron las dos entregas anteriores.

En definitiva, Little Nightmares 3 es una buena continuación, ideal para fans de la saga y para quienes busquen una experiencia breve pero intensa. Sin embargo, quienes esperaban una evolución significativa o una reinvención del concepto, pueden quedarse con la sensación de que la pesadilla no ha cambiado lo suficiente. Una entrega sólida, pero que juega demasiado seguro.

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Los rebotes nunca habían sido tan divertidos desde la llegada de BALL x PIT, lo último de Devolver Digital y Kenny Sun

En una época donde casi hemos visto todos los géneros habidos y por haber, aún existen ciertos estudios que quieren dar una vuelta de tuerca a la fórmula. O formulas, hablando en plural. Porque Devolver Digital y Kenny Sun no solo se limitan a coger un concepto y plasmarlo en su nueva obra, sino que se aventura a mezclar varias propuestas jugables, introducirlas en una batidora y ofrecernos un pastelito en forma de videojuego. Y ese pastelito, por supuesto, se llama BALL x PIT.

Las esferas de poder

De hecho, hay tantos puntos que tocar que no sé ni por dónde empezar. Arrancaremos con sus mecánicas más directas. BALL x Pit es un título que nos invita a investigar un agujero donde antes se encontraba Bolabilonia. Donde antes se erguía una majestuosa torre, ahora hay un profundo cráter dividido en varios niveles, repletos de enemigos buscando su terreno. Nosotros, como fieles aventureros y exploradores, crearemos un asentamiento y descenderemos para hallar respuestas a estos aciagos hechos.

Los momentos de acción se desencadenarán en pasillos donde los enemigos irán bajando progresivamente desde la parte superior de la pantalla. Nosotros tenemos que derrotarlos, y para ello contaremos con bolas de todo tipo de tamaños, formas y particularidades. Como si fuera Vampire Survivor, iremos recogiendo experiencia que los enemigos dejan tras de sí, y con esa experiencia subiremos de nivel a nuestro héroe. Con cada subida de nivel, podremos seleccionar una nueva bola como arma en nuestro inventario, artefactos que otorguen distintas habilidades, o directamente subir el nivel de las bolas que ya tenemos.

Entre evoluciones y fusiones

Claro, todo tiene un límite. En nuestro inventario sólo caben cuatro bolas a la vez, y cuatro artefactos distintos. Por suerte, de manera arbitraria saldrá en el escenario una especie de espiral morada que nos permitirá cambiar el rumbo de la partida. O bien fusionar dos bolas para crear una distinta con todas las características de las anteriores, o bien evolucionar dos bolas para crear otra de mejores características. De esa forma, al juntar dos bolas, volveremos a contar con un hueco libre que nos permita tener un arma mejor.

Esto que acabo de explicar es la salsa de BALL x PIT. Si tengo una bola de fuego o otra de viento, las puedo evolucionar para crear una inmensa llamarada que barra a todos los enemigos en pantalla. Hay otro bola que genera otras más pequeñas, pero si la junto con una bola de huesos, crearé la bola araña, mucho más poderosa. La bola eléctrica y la bola pesada evolucionan a un pararrayos que os imaginaréis que afecto hacen en el escenario. Es increíble la cantidad de variables que hay, y aunque al principio cuesta conocer los efectos de cada esfera, poco a poco las iremos conociendo perfectamente. Hay un punto en mi partida donde ya predomina la estrategia, y sé qué bolas evolucionar, cuales fusionar, e incluso cuales descartar si no me conviene.

A descansar de los rebotes

Una vez terminada la run (ya sea completándola o muriendo en el intento), llega la segunda parte de BALL x PIT. Porque sí amigos, hasta aquí es sólo una parte de lo que ofrece el juego, que no es poco. En nuestro campamento podremos construir varias edificaciones con la ayuda de materias primas que iremos cosechando. Básicamente trigo, piedra y madera. Podemos construir un edificio que nos proporcione mejores estadísticas, otros que aumenten la frecuencia de recursos o incluso otros donde nos desbloquean personajes nuevos. La manera de conseguir estos recursos es muy original, y al igual que en los momentos de acción, moveremos a los personajes rebotando por las paredes para conseguir todos aquellos recursos y mejoras a nuestro alcance.

El estudio es hábil en ese aspecto, y aunque los primeros niveles del foso son relativamente fáciles, habrá un momento donde la cantidad de enemigos, ataques y jefes finales nos superen, por lo que se hace imprescindible hacer un buen trabajo en el asentamiento mejorando todo lo que esté en nuestro alcance. Por supuesto, también es importantísimo rejugar cada nivel con otros protagonistas para conseguir más planos y experiencia.

Haciendo malabares en cada fase

Visto desde fuera, BALL x PIT puede parecer complejo de gestionar, pero una vez que pillas el tranquillo es una adicción muy fuerte. Y apto para todo el mundo. Si plasmas una buena estrategia y conocer los puntos fuertes de tus bolas, hasta mi peque de 8 años ha sido capaz de acabar con el primer nivel. Luego cada héroe tiene sus propias habilidades, como por ejemplo que nuestras bolas atraviesen a los enemigos y no reboten, hay un filósofo que elige las mejoras él mismo, o los hermanos gemelos que disparan a la vez.

No todo es perfecto, ni mucho menos. Hay un momento donde tendremos muchos personajes, y si queremos ser completista, se puede hacer tedioso acabar cada nivel con todos ellos. No es necesario, pero fastidia ver con un tick verde aquellos que si han superado la zona y otros que se quedan relegados al olvido. Tendremos una partida rápida estimada en 15 minutos y otra rápida en 12 minutos. En ningún caso se cumplen estos tiempos, y en ocasiones puede ser repetitivo volver a pasar por todo el proceso si ya los has completado anteriormente. Esto ya es algo mío personal, pero hecho en falta un modo cooperativo. Puede que rompa la experiencia de juego, pero hubiese sido interesante para disfrutar de este título en buena compañía.

Conclusión de BALL x PIT

Devolver Digital junto con Kenny Sun nos brindan un título muy adictivo donde conviven la acción y la estrategia. En cada fase deberemos gestionar bien nuestras armas, la fusiona de las bolas y su poible evolución. Es muy divertido explorar nuevas combinaciones, y no haremos otra cosa que sibir niveles para ver qué nueva genialidad se nos ocurre. Por otro lado, la gestión del campemnto base le da un toque mas pausado, pero igual de divertido. Como buen roguelite, en estos moemtois es donde subiremos de nivelo a nuestro personaje y nos pertrecharemos mejor para la siguiente run del jeugo.

Si queréis un título para partidas cortas, no dejéis la oportunidad de probar BALL x PIT. Puede que al principio os abrume tanta información, pero cuando ya conozcas las ventajas y desventajas de sus bolas, sus fusiones y evoluciones, vais a disfrutar muchísimo del foso donde antes se hallaba Bolabilonia. De todas formas, gracias a su incorporación a Xbox Game Pass podéis probarlo tranquilamente y ver si su propuesta os entra en vuestros esquemas. Yo apuesto a que sí.

Xbox ROG Ally X desborda potencia y versatilidad, pero tropieza en integración y experiencia de usuario.

La Xbox ROG Ally X, desarrollada por ASUS en colaboración con Microsoft, representa una apuesta híbrida entre consola portátil y PC gaming. Equipada con la última tecnología y más potente, como el chip AMD Z2 Extreme y 24 GB de RAM LPDDR5. Esta máquina busca ofrecer una experiencia en formato portátil, con tecnologías como FSR 3.5 y HYPR-RX que brinda un gran rendimiento gracias a sus opciones de optimización y escalado inteligente. Sin embargo, su ejecución revela tanto fortalezas como carencias que debemos analizar con lupa.

Diseño y presentación.

Al abrir la caja de la ROG Ally X, la experiencia no transmite el nivel premium que cabría esperar de un producto de 899€. El empaquetado es atractivo, pero el contenido es escueto: consola, guía rápida y nada más. No se incluye el cargador de 65W ni el cable USB-C, lo que obliga al usuario a adquirir accesorios adicionales para un uso completo.

Los materiales recuerdan al mando básico de Xbox Series X, sin el refinamiento del Elite Series 2. Aun así, la consola se siente robusta y funcional. Su ergonomía es sobresaliente: con 715 gramos de peso, se adapta perfectamente a manos grandes, superando en comodidad a la Nintendo Switch y Steam Deck. Presenta un excelente agarre, incluso para manos grandes. Su peso se distribuyen bien, superando en comodidad a Nintendo Switch en cualquiera de sus versiones.

Pantalla, sonido y conectividad.

La pantalla IPS de 7 pulgadas ofrece resolución Full HD (1080p), 120 Hz y soporte para VRR. Aunque no es OLED, su calidad visual es notable, con buena reproducción de color y fluidez. El sistema de sonido es sorprendente: los pequeños altavoces integrados ofrecen una experiencia semi envolvente que rara vez requiere subir el volumen más allá del 30%. En cuanto a conectividad, incluye:

• USB-C 3.2 Gen 2 con DisplayPort 1.5
• USB-A 3.2 Gen 1
• Jack 3.5 mm
• Ranura microSD

Además, cuenta con un botón de encendido con lector de huellas para facilitar el login a Windows.

Rendimiento térmico y energético.

La consola ofrece cuatro perfiles de rendimiento: Turbo, Rendimiento, Silencio y Windows. El consumo oscila entre 13W y 35W, con picos de hasta 50W en modo Turbo. Las temperaturas alcanzan los 90 °C en momentos exigentes, pero se mantienen en torno a 70 °C en uso normal. El sistema de ventilación superior evita que el calor se transmita a las manos, y el ruido es sorprendentemente bajo en todos los escenarios.

Tecnología: FSR 3.5 y HYPR-RX.

La Xbox ROG Ally X incorpora lo último de AMD en cuanto a tecnologías de reescalado e IA integradas bajo el nombre de FSR en su versión 3.5. Esta incluye cosas como:

• Reconstrucción desde resoluciones bajas (540p → 1080p) con artefactos mínimos y buen desempeño gráfico.
• Generación de fotogramas (AFMF) que duplica FPS en títulos compatibles, los cuales son pocos y escasos en los títulos first party de Xbox.
• HYPR-RX: que combina Radeon Anti-Lag, Boost y Super Resolution.

En general todo este paquete mejora de rendimiento en títulos exigentes: de 25–30 fps a 50–55 fps con latencias muy bajas, 16 ms.

Experiencia de juego: ¿consola o PC?

Aunque se vende como consola Xbox portátil, la experiencia es más cercana a un PC con Windows. Para empezar la configuración inicial es bastante engorrosa, con actualizaciones de Windows y Armory Crate. Una vez lo tenemos todo al día, vamos a la Xbox App. Desde ella, como en PC, tendremos acceso a Game Pass PC, pero sin optimización automática para los títulos que descargamos.

EL FSR y AFMF no vienen activados por defecto en juegos descargados desde la app de Xbox. Los juegos descargados desde el hub de Xbox vienen con escaladores alternativos a FSR y sin soporte nativo para las tecnologías como FSR 3.  Esto obliga al usuario a “cacharrear” como un entusiasta de PC para obtener el mejor rendimiento, lo que aleja la experiencia de la simplicidad que se espera de una consola.

Para colmo, hay una gran falta de integración: Microsoft no ha adaptado títulos First Party como Avowed, Hellblade II o Forza Horizon 5 para aprovechar FSR 3.5. Solo Starfield incluye este soporte, algo poco entendible.

Juegos probados y rendimiento en la Xbox Rog Ally X:

Todos estos escenarios fueron probados en configuración de energía “Turbo” con consumo de 24W en el Z2 Extreme de manera constante y entorno a 30-35W de manera general contabilizando todo el gasto energético (SSD, Pantalla, Sonido, etc…).

Público objetivo y percepción

La Xbox ROG Ally X no está pensada para el jugador casual ni para el jugador de consola. Su precio elevado, configuración compleja y falta de integración en parte del ecosistema Xbox la convierten en una opción para entusiastas técnicos, streamers, y usuarios avanzados que buscan portabilidad sin sacrificar potencia.

Para el público general que espera una experiencia plug-and-play como en Series X o PS5, esta consola puede resultar frustrante. La necesidad de ajustar manualmente escaladores, activar AFMF desde el software Radeon y lidiar con configuraciones no optimizadas alejan esta propuesta de la filosofía de consola tradicional.

CONCLUSIONES DE LA XBOX ROG ALLY X:

La Xbox ROG Ally X es una maravilla técnica empaquetada en formato portátil. Su potencia, pantalla, sonido y tecnologías como FSR 3.5 la convierten en una herramienta formidable para jugar títulos AAA. Sin embargo, su elevado precio, la falta de integración de todas las tecnologías de las que hace gala en juegos first Pary de Xbox y una experiencia mucho más cercana a un PC que a una consola la hacen difícil de recomendar para todos. Y es que la experiencia de usuario exige conocimientos medios-altos para sacarle el máximo partido, sobre todo cuando hablamos de una inversión de practicamente 900€.

Si eres jugador de PC y te estas planteando adquirir una consola portátil la Xbox ROG Ally X debería ser una de tus opciones sin duda; Si eres un jugador de consola, acomodado y al que le gusta la simplicidad y rapidez de una consola, este dispositivo no es para tí.

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