Guardianes de la Noche – Las Crónicas de Hinokami 2

Hablar de Kimetsu no Yaiba ya no es simplemente hablar de un anime de moda. Es referirse a un fenómeno cultural que trascendió las pantallas japonesas y conquistó audiencias en todos los rincones del planeta. La historia de Tanjiro, Nezuko y los cazadores de demonios se instaló en la conversación popular como una de las obras más impactantes de la última década. Era cuestión de tiempo que esa fuerza se trasladara a los videojuegos, y lo hizo en 2021 con Guardianes de la Noche – Las Crónicas de Hinokami. Aquel primer título cumplió el sueño de los fans: por fin podíamos blandir nuestras espadas, ejecutar Respiraciones y revivir los combates del anime desde dentro.

Sin embargo, el entusiasmo inicial dejó también un regusto agridulce. La fidelidad audiovisual estaba fuera de discusión, pero el juego se sentía contenido en modos, opciones y profundidad jugable. Como si fuera un aperitivo exquisito, pero demasiado breve. Por eso, cuando se anunció la secuela, la expectativa se disparó: ¿sería ahora el salto definitivo? ¿Podría Las Crónicas de Hinokami 2 transformarse en la experiencia definitiva para los seguidores de Kimetsu no Yaiba?

La respuesta, tras varias horas con el mando en la mano, es que sí y no. La segunda entrega mejora en casi todo lo que debía mejorar, amplía el abanico de posibilidades y, sobre todo, se siente más consciente de su lugar dentro de la saga. Pero al mismo tiempo todavía arrastra ciertas limitaciones que le impiden ser ese referente indiscutible dentro del género de la lucha anime.

Un legado que pesa, una promesa que ilusiona

Para entender esta secuela hay que mirar atrás. El primer Las Crónicas de Hinokami fue recibido con la euforia típica de los fans, pero también con la crítica de quienes esperaban más allá del homenaje visual. Había pocos personajes iniciales, el modo historia era espectacular pero breve, y los contenidos secundarios no terminaban de sostener la experiencia a largo plazo. Aun así, se valoró su accesibilidad: no era un título complejo ni críptico, sino una puerta abierta para que cualquier seguidor del anime pudiera sentirse dentro de la acción.

Esa fue la base sobre la que se construyó esta segunda entrega. Las Crónicas de Hinokami 2 se plantea como el paso lógico: mantener la fidelidad al material original, pero con un sistema de combate más robusto, un plantel más variado y un modo historia que cubre más terreno de la serie. Y en buena parte lo consigue.

Un espectáculo visual que no pierde identidad

Si hay algo que nadie puede negarle a esta saga es su aspecto gráfico. CyberConnect2, el estudio encargado, tiene un historial sólido adaptando animes al videojuego —Naruto Ultimate Ninja Storm es prueba de ello— y aquí vuelve a demostrarlo. La secuela mantiene el cel shading que imita a la perfección el estilo de ufotable, pero da un paso más allá: hay más detalle en los modelados, más fluidez en las animaciones y una iluminación que aporta espectacularidad en cada golpe.

La sensación al ejecutar una técnica definitiva sigue siendo la de estar viendo un episodio del anime, pero ahora con mayor contundencia. Los efectos de partículas, el agua que brota con la Respiración de Tanjiro, las llamas de Rengoku o los destellos eléctricos de Zenitsu son auténticos fuegos artificiales en pantalla. Si en el primer juego ya era un placer visual, aquí la intensidad se multiplica.

Es cierto que los escenarios siguen siendo algo más modestos: bellos, sí, pero en ocasiones algo vacíos. No llegan al nivel de interacción de otros juegos de lucha, pero cumplen su función como telón de fondo para las coreografías.

Un apartado sonoro que conquista al fan

En el sonido, Las Crónicas de Hinokami 2 se nota solido. La banda sonora no solo retoma temas icónicos del anime, sino que los reinterpreta para elevar la tensión en combate. Es música que golpea y emociona, capaz de acompañar la acción sin perder ese tono épico característico.

El doblaje es otro punto fuerte. Están presentes tanto las voces japonesas originales como la opción de escuchar el doblaje en inglés, ambas de gran calidad. Además, los textos llegan correctamente localizados al castellano, con una traducción que respeta la terminología propia de la serie, lo que se agradece especialmente a la hora de disfrutar la historia sin perder matices. Pero para cualquier fan que haya seguido la serie en versión original, escuchar a Natsuki Hanae (Tanjiro) o Akari Kitō (Nezuko) gritar sus técnicas en pleno combate es un regalo. Los efectos de sonido también acompañan: cada impacto resuena con peso, cada respiración tiene un eco casi ritual, y las técnicas definitivas rugen como si quisieran romper la pantalla.

Jugabilidad: accesible, pero con más matices

Uno de los grandes temores era que esta secuela se quedara estancada en lo jugable. Por fortuna, no es así. El videojuego mantiene la filosofía de accesibilidad que hizo del primer título una entrada amable al género, pero suma mecánicas que añaden profundidad.

Los combates siguen girando en torno a la simplicidad de ejecutar combos con pocos botones, pero ahora hay más espacio para la estrategia. La gestión de la barra de energía es más importante, los contraataques castigan con mayor justicia y los movimientos de apoyo de los personajes secundarios abren la puerta a combinaciones más elaboradas.

El plantel de personajes también se amplía de forma considerable, superando los 40 luchadores, prácticamente el doble que en la primera entrega. Esta variedad permite experimentar estilos muy distintos y otorga mayor frescura a los combates. La variedad de estilos enriquece el juego: no es lo mismo controlar la serenidad letal de Shinobu que la potencia bruta de Inosuke. Esto da pie a partidas menos repetitivas y a que cada jugador encuentre a su favorito.

En el modo historia, los combates se mezclan con secuencias narrativas que siguen de cerca los arcos del anime. No hay grandes sorpresas para quien ya conozca la trama, pero sí momentos de espectacularidad que emocionan al fan. Y aunque no alcanza la profundidad técnica de un Guilty Gear o un Tekken, su propuesta es clara: ser un juego de lucha disfrutable para todos, sin exigir años de práctica.

Duración: lo que da la campaña y lo que sostenga el online

En términos de duración, la secuela amplía lo que ofrecía la primera entrega. El modo historia puede completarse en unas diez horas, dependiendo de cuánto te detengas en los desafíos y coleccionables. Se trata de una campaña intensa y espectacular, aunque muy guiada por momentos que los fans ya conocen del anime.

El verdadero reto está en lo que el jugador haga después. El modo versus local y online, junto a los desafíos, son los pilares de la rejugabilidad. Aquí es donde el juego pone a prueba su capacidad de enganchar a largo plazo. El multijugador en línea se siente más estable que en el primer título, pero aún queda camino para consolidar una comunidad competitiva fuerte; mas teniendo en cuenta que no cuenta con cross-play (juego cruzado) entre plataformas. A esto se suman los Desafíos y las Misiones de entrenamiento, que plantean objetivos concretos y ayudan tanto a pulir la técnica como a exprimir el plantel de personajes. Asimismo, para quienes necesiten un repaso del primer juego, el título incluye El camino del matademonios, un modo que revive los combates más importantes de la primera parte. Es un extra útil, pero no sustituye a la historia original: si no has jugado al primer juego ni seguido el anime, lo recomendable sigue siendo empezar por ahí antes de lanzarte a esta secuela.

Otro añadido interesante son las Rutas de entrenamiento, que convierte los combates en un pequeño tablero estratégico: cada enfrentamiento tiene requisitos y bonificaciones que añaden un toque de planificación al juego. No es una modalidad que destaque especialmente, pero supone un buen pasatiempos una vez completada la historia principal.

Para el fan casual, la duración puede ser más que suficiente: revivir el anime en clave jugable, experimentar combates con amigos y explorar el plantel. Para quienes buscan un juego de lucha que los acompañe durante meses, quizá no alcance la profundidad deseada.

Una conclusión entre el corazón y la razón

Guardianes de la Noche – Las Crónicas de Hinokami 2 es un título que entiende su misión: ser un homenaje jugable a una de las series más queridas de los últimos tiempos. Y en ese objetivo, cumple con nota. Mejora lo que debía mejorar respecto a la primera entrega, amplía sus modos y ofrece un espectáculo audiovisual que se siente casi mágico.

No obstante, también arrastra limitaciones: su modo historia, aunque épico, carece de novedad para los ya iniciados; sus escenarios aún podrían ser más ricos; y, sobre todo, su jugabilidad, aunque pulida, sigue estando un escalón por debajo de los grandes referentes del género.

Aun así, como fan, es difícil no emocionarse al ver en pantalla a Tanjiro desatando su Respiración del Agua, a Nezuko transformándose en medio de un combate o a Rengoku desplegando su llama imparable. Este juego es, ante todo, un puente entre la pasión del anime y la interactividad del videojuego. Y como tal, es una experiencia que ningún seguidor debería dejar pasar.

En definitiva, Guardianes de la Noche – Las Crónicas de Hinokami 2 no es el título que revolucionará el género de la lucha, pero sí es el que hará sonreír, emocionarse y vibrar a los fans de Kimetsu no Yaiba.

El estudio canario Broken Bird Games y la editora Selecta Play nos sorprende con Luto, una aventura de terror con influencias de P.T

El terror en los videojuegos siempre ha tenido muchas caras. Desde monstruos, zombis, fantasmas a asesinos… Pero Luto, del estudio español Broken Bird Games, se desmarca de todo esto. Aquí no vas a llenar cargadores ni a correr de criaturas grotescas. Este título apuesta por un terror mucho más íntimo, psicológico y atmosférico. Luto llega con una propuesta distinta, incomodarte, hacerte reflexionar y atraparte en un entorno cotidiano que, poco a poco, deja de sentirse seguro. Si queréis saber todo sobre este peculiar videojuego, Comunidad Xbox es tu lugar.

Una mudanza de lo más peculiar

No vamos a entrar en destripes, porque gran parte de la experiencia de Luto es descubrir cómo se va desenvolviendo su historia. Lo que se puede contar es que controlamos a un personaje el cual no puede salir de su casa, a la que se acaba de mudar. Cada vez que intentamos avanzar por la casa, esta se irá desformando y transformando, ocurriendo cosas muy extrañas. Un elemento central de esta historia es su narrador. Este parece ser el típico narrador de cualquier videojuego, pero cuando te vas adentrando cada vez más en su narrativa, te das cuenta que este es muy importante para la trama y que no es un simple narrador.

La historia de Luto, es una que trata temas bastante adultos, y que no necesita hacer uso de elementos sobrenaturales para causarte terror e incomodidad, si no que simplemente cuenta algo que nos puede pasar a cada uno de nosotros y que realmente es terrorífico. En definitiva, no hay nada más terrorífico que nuestra propia vida.

Reminiscencias de P.T

En lo jugable, Luto se enmarca en lo que muchos llamarían un “walking simulator”, aunque con más peso en los puzzles y la interacción con el entorno. Nos movemos en primera persona, exploramos habitaciones, recogemos objetos clave y resolvemos enigmas, siendo algunos de estos muy sencillos y otros un poco más complicados, haciendo estos que debamos prestar atención a todos los elementos de los escenarios. No hay combate ni armas, aquí no puedes defenderte más que con tu capacidad de observación. Y eso, lejos de ser una limitación, es lo que hace que la experiencia sea tan opresiva. Cada vez que giras una esquina o abres una puerta lo haces con la sensación de estar expuesto, indefenso. Es un título totalmente influenciado en el cancelado P.T.

Una de las virtudes del juego es su manera de manipular el espacio. A veces lo que parecía un pasillo corto se convierte en un bucle infinito, una puerta desaparece, o un lugar familiar se transforma delante de tus ojos. Esto genera desconcierto y mantiene al jugador siempre alerta. Luto no abusa del susto fácil, pero sabe sorprender en el momento justo. Es un título pausado. Si eres de los que necesitan acción constante, puede que se te haga lento. Pero si disfrutas de detenerte a observar, de conectar piezas y de dejarte atrapar por la atmósfera, el juego cumple con creces. Aunque sus puzles sean un tanto irregulares, ya que algunos son muy ingeniosos y originales y otros un tanto absurdos.

Una casa fotorealista

El apartado visual de Luto destaca no tanto por la potencia técnica bruta, sino por el inteligente uso del diseño artístico y la dirección de arte. Se nota que Broken Bird Games ha apostado por un estilo realista apoyado en el motor Unreal Engine, pero lo importante no es el nivel de detalle en texturas o modelos, sino cómo estos elementos se ponen al servicio de la atmósfera. Los escenarios transmiten familiaridad con habitaciones comunes, pasillos corrientes o muebles cotidianos. Precisamente esa normalidad inicial es la que refuerza el impacto de los cambios posteriores, porque el jugador percibe con claridad cuándo algo no encaja, cuándo un entorno ya no es “seguro”. La iluminación juega aquí un papel decisivo, con un uso calculado de las luces y sombras que intensifica la sensación de inquietud sin necesidad de recurrir a jump scares.

En términos de rendimiento, el juego se mantiene estable en Xbox Series X, con tiempos de carga breves y una resolución nítida que permite apreciar los detalles más sutiles del escenario. Es cierto que no persigue la espectacularidad gráfica de los grandes AAA, pero cumple de forma sobrada en este apartado, siendo algunos escenarios bastante impresionantes, que incluso parecen fotorealistas.

Sonoramente aterrante

En cuanto al sonido, Luto pone toda la carne en el asador. El estudio ha cuidado este apartado de una forma bastante espectacular para tratarse de un producto indie. Los sonidos contribuyen de forma positiva a la experiencia, aportando esa pizca de terror psicológico idónea para el título. Todos los crujidos, pisadas o sonidos extraños, contribuyen para sumergir al jugador en una experiencia que siempre ten mantendrá en tensión, con miedo a lo que no puedes ver, pero sí oír. Por otra parte, la música aparece de forma puntual, siempre en momentos clave, reforzando emociones concretas sin robar protagonismo al ambiente. Más que melodías, son texturas sonoras que intensifican la tensión o subrayan transiciones narrativas.

Otro punto positivo son las actuaciones de voz de los diferentes personajes. Es cierto que no hay mucho, pero estos hacen su trabajo de forma sobresaliente, en concreto, la del narrador. Como punto negativo, podemos destacar que, aun tratándose de un productor español, las voces se encuentran en perfecto inglés. Algo entendible al ser un título indie, pero que siempre da pena.

Conclusiones

Luto no es un juego para todo el mundo, y ahí está parte de su mérito. No busca ser un survival horror al uso, ni un festival de acción con sustos fáciles cada dos minutos. Es una experiencia íntima, corta (de 4 a 6 horas de duración) y concentrada, que pone el foco en la atmósfera y en el impacto psicológico del propio entorno. Sus mecánicas son sencillas, y es cierto que no ofrece gran variedad en lo jugable, pero lo que propone lo hace con una claridad admirable. La dirección artística y el diseño sonoro se combinan para crear una sensación de angustia constante, mientras que la narrativa ambiental invita al jugador a sacar sus propias conclusiones. Si lo que quieres es un título frenético, probablemente no sea para ti. Pero si disfrutas del terror psicológico, de los juegos que te incomodan sin necesidad de mostrarte nada explícito y de las experiencias que se quedan rondando en tu cabeza incluso después de apagarlas, Luto es una obra muy recomendable.

Aprovecha las perspectivas y resuelve todos los puzles que nos brinda la original propuesta de Viewfinder

¿Cuántas veces hemos soñado en meternos dentro de una fotografía para revivir esos momentos únicos? Pues en cierta manera, eso podremos hacer en Viewfinder, el juego de puzles desarrollado por Sad Owl Studios que aterriza en nuestras consolas para ofrecernos una explosión de ideas. Eso sí, aquí no visitaremos las últimas vacaciones en la playa ni reviviremos nuestra adolescencia en las fiestas del pueblo. Visitaremos un lugar virtual donde las perspectivas, los rompecabezas y los planos falsos serán la tónica habitual de cada fase.

Por un futuro mejor

Es muy difícil agarrar un concepto y exprimirlo sin que termine cansando. Muy pocos títulos lo consiguen, y me vienen a la cabeza grandes obras como Portal, The Witness, The Pedestrian o The Thalos Principle. Son títulos que nunca dejan de sorprender, con desafíos frescos cuando parece que estaba todo visto, y Viewfinder también lo consigue. Cuando piensas que está todo visto con el uso de las fotografías, al final siempre hay alguna nueva mecánica que te exige pensar un poco más allá. Y eso es muy gratificante.

En esta ocasión, nosotros encarnaremos a una persona con la difícil tarea de devolver a su mundo real toda la vegetación y vida natural que ha dejado de existir debido ala falta de oxígeno que asola el planeta. Para ello, se meterá en una simulación donde varios científicos trabajaban en el desarrollo de una máquina con la capacidad de solventar ese problema. Eso sí, encontrar el prototipo no será fácil, y tendremos que estrujar todos nuestros sesos para encontrar la salida a cada rompecabezas.

Sonríe y no te muevas

Más allá de la historia principal y de las pequeñas discusiones entre los científicos que componen los mundos fantasiosos de Viewfinder, lo que llama la atención sin duda alguna son los puzles. O más bien, la manera de ejecutarlos. En cada fase tendremos que alcanzar un teletransportador, y para llegar a ese objetivo, nos tendremos que valer de fotografías que encontraremos esparcidas por el escenario o que tomaremos nosotros con nuestra cámara de fotos.

Una vez que cojamos la foto, podremos voltearla a nuestro antojo y plasmarla en el escenario. Entonces, como por arte de magia, esa misma fotografía cobrará vida, de tal forma que podemos meternos dentro de ella para alcanzar zonas que de otra manera serían inaccesibles. Eso sí, paulatinamente iremos encontrando trabas que harán cada fase más compleja. Tendremos que hacer fotocopias, activar teletransportadores con células de energías, jugar con los planos de cámara y vivir un sinfín de situaciones en las 3-4 horas que nos puede durar el juego.

No salgas fuera de plano

Es muy complicado explicar con palabras todo lo que Viewfinder puede plasmar con sus escenarios. Resulta increíble realizar una foto y buscar la perspectiva exacta que nos valga para acceder a otro lugar diferente. Y cuando superponemos varias fotografías para conseguir algún objeto, es una bendita locura. Esta capacidad de decisión tan personalizada de cada usuario hace que tengamos libertad absoluta de poder resolver cada problema de mil formas distintas.

Jugablemente es muy intuitivo. Los movimientos resultan fluidos, y tendremos suficiente precisión con el mando para poner el objeto de la manera que nosotros queramos. Visualmente es muy agradable, con colores muy coloridos en prácticamente toda la aventura. Tiende a ser muy minimalista, supongo que para no generar “ruido visual” que no nos deje concentrar en buscar la solución más óptica con el uso de las estructuras. Donde hay un poco más de objetos en pantalla son los edificios principales de los científicos, con objetos y pistas que nos permiten definir la personalidad de cada uno.

Conclusión de Viewfinder

Hay juegos de puzles que entran por los ojos… y por el cerebro. La propuesta de Sad Owl Studios consigue ambas cosas gracias a un concepto nunca antes visto con el uso de las fotografías y la capacidad de alterarlas. Los cambios de perspectiva, los planos ,su resolución de puzles… todo es fantástico y hay un desafío constante que te obliga a tener la mente abierta (y fresca) para abordar nuevos desafíos. Un imprescindible si te gusta mover las neuronas.